MENÚ PARA HALLOWEEN

Hay que ver cómo ha pegado la festividad de Halloween en este país en los últimos años. Para los que amamos el género de terror es otra excusa par seguir viendo pelis. Yo suelo ver si tengo tiempo unas tres cintas. La música también tiene que ir acorde con ello. Y nunca falta una buena dosis de garage rock, shock rock y estilos afines. Hoy quería recomendar cinco títulos por si aún no habéis decido que peli o pelis ver. Yo en este día suelo quitar del la carta las típicas pelis de terror clásicas. Espero que os guste el menú. Y que cada uno elija como lo guisa.

"El barco de la muerte" (1980). Película canadiense(luego harían el remake). Un barco choca contra otro. Empiezan las locuras de un capitán. Buena atmósfera, guión correcto. Es algo simple en la puesta en escena. Pero la encontré interesante.

"Juego diabólico"(1986). En la inauguración de una casa, una pareja y más concretamente la mujer, decide que todos jueguen a la Ouija. Desde eso momento ella se obsesiona con el juego y sus consecuencias. Bastante interesante este film americano. Donde hay momentos de suspense muy logrados.

"El vigilante nocturno"(1994). Cinta danesa(los americanos harían el remake tres años después). Un estudiante coge un trabajo nocturno en un depósito de cadáveres. Al mismo tiempo un asesino psicópata se escapa. Y el en su soledad laboral empieza a sentir paranoia. Un tenso thriller de terror con grandes momentos para la tensión. Una puesta en escena efectiva hacen el resto.

"La tumba de la isla maldita"(1973). Este film mezcla el vampirismo con los zombies. Tenemos como una excavaciones cerca de un cementerio hacen que de una tumba salga una vampiresa llamada Hannah. Interesante propuesta con ese regusto de clásico del género. Por cierto es una coproducción entre EEUU y España.

Y cierro con una comedia de terror del año 1985. Una banda de rock van a tocar en un remoto lugar. Allí una horda de personas asistirán, solo que esas están compuestas por hombre lobo, asesinos descerebrados incluso un Hitler harán acto de presencia. Una ida de olla muy divertida. Pura serie b cafre y alocada.







No hay una noche así sin música, el género de terror ha dado infinidad de canciones para el recuerdo. Donde se habla de zombies, criaturas míticas como Frankenstein y todo tipo de fauna del horror. Aquí me despido de este especial deseando que lo paséis muy bien en un día como hoy. 

SAGA: HARRY EL SUCIO " HARRY EL SUCIO" Film Nº 1

HARRY EL SUCIO(1971)

Durante las próximas semanas comentaré la saga completa, espero que os parezca interesante.

En los 70 un nuevo policía llegaba a la ciudad. Un tipo que crearía escuela. Con sus métodos de aplicar la ley. En las próximas semanas intentare diseccionar la aventuras de HARRY CALLAHAN. Que más allá de su mejor film "Harry el sucio". En sus otras secuelas tienen momentos de absoluta brillantez. El proyecto estaba en la mesa de la Universal. En un papel que interpretaría Frank Sinatra. Este se fracturó una muñeca. Y el film quedó en suspenso. De alguna manera apareció en los vecinos de la Warner. Y ahí se fraguó el film al final. El ofrecimiento para el papel del inspector Callahan fue a parar a manos de John Wayne primero. Y más tarde a Paul Newman. Los cuales declinaron la oferta. Newman recomendó al joven Eastwood. Que venia de tener éxito con los Spaghettis Westerns en Europa.

Este vio la oportunidad de triunfar en su país. Y no desaprovecho la oportunidad.

El film fue pensado en ser rodado en Seattle. Ciudad poco explotada en la pantalla. Pero tras un paso por San Francisco. Eastwood (nacido en ese estado). Y conociendo muy bien la ciudad. Aconsejo hacer el film en sus calles. El guión fue trabajado por John Milius y el propio Eastwood. Para las escenas de peligro. Clint dijo que él las haría. Con el consiguiente mosqueo del director Don Siegel. Que al final tuvo que reconocer la extraordinaria labor llevada a cabo por su estrella. Todas las escenas fueron rodadas en exteriores. Menos el atraco al banco. Rodada en los estudios. El villano del film corrió a cargo del actor Andy Robinson. Un tipo que en la vida real era muy pacífico. Y que odiaba las armas. Este quizás fue el detonante para que Siegel lo eligiera. Tuvo que ponerle un especialistas en armas, para que lo entrenara y perdiera el miedo a usarlas. Y sin duda su interpretación y personaje "Scorpio" son de los más recordados.

Harry tenía sus propios métodos para combatir el crimen. Defendiendo la justicia, aunque para ello tuviera que saltarse la ley. El film fue un éxito de taquilla, obteniendo muy buenas críticas. Aunque también hubo quién criticó esas formas tan rudas. 

Había nacido un personaje en el que se miraría todo el cine policiaco posterior. Un icono no solo cinematográfico. Era ya un símbolo de la cultura del siglo xx.

El film era aderezado con las melodías de Lalo Schifrin. Que engrandece cada escena donde suena su música. Un film maravilloso, una nueva forma de hacer cine.

Puntuación general: 8/10

CENA A LAS OCHO

CENA A LAS OCHO(1933)

Hoy traigo una de las grandes comedias de la historia del cine. Una cinta que creo está bastante olvidada hoy día. Un espectáculo de situaciones y actores dirigido por el gran George Cukor. "Cena a las ocho" (1933) cumple 85 años, y parece hecha ayer mismo. La historia narra la cena que prepara una mujer para levantar el ánimo de su marido, que está pasando por problemas de salud a raíz de su estresante trabajo. El reparto es de auténtico lujo. John Barrymore, Wallace Beery, Marie Dressler, Lionel Barrymore y la rubia platino Jean Harlow, con algunos secundarios de lujo. Basada en una obra de teatro, Cukor la adaptó a la pantalla grande con su particular visión. La cinta se muestra cristalina y locuaz. Moviéndose entre cócteles, charlas de todo tipo y mucha comida. 

Los diálogos son majestuosos, que con cada personaje luce espléndidamente. Una comedia ágil y mordaz, donde el glamour se destapa entre risas y comportamientos enmascarados tras un traje y vestido elegante.

Un año antes una película como "Gran Hotel" fue el detonante para otras cintas posteriores. Entre ellas esta que nos ocupa hoy. Y que nada tiene que envidiar a esa famosa hermana mayor. 

Todos los actores rayan a un nivel extraordinario.

Siendo un disfrute para los sentidos el ir y venir de cada uno de ellos.

La década de los años 30 está llena de estas fabulosas comedias.

Ligeras, ágiles, mordaces, sofisticadas. 

Por desgracia la cinta se quedó sin ningún premio, pues los Oscar de ese año no se llevó a cabo. 

El tiempo pasa, pero una película como esta jamás envejece. Siendo 80 años después igual de fresca y chispeante.

Puntuación general: 10/10

MATINEE

MATINEE(1993)

A lo largo de la historia el cine ha reflejado en muchas películas el amor de sus directores por géneros a los que homenajea. Es el caso de Joe Dante, ya venir de la escuela Roger Corman ayuda a enamorarse de películas de ciencia ficción. Luego lo apadrina Spielberg, y el resto ya es historia. En mitad de los 90 se sumergía aún más en rendir pleitesía a todas aquellas películas de los 50 donde la ciencia ficción de serie b, junto al temor de los americanos por las bombas atómicas, hicieron de esa década la edad dorada del género. Este film nos cuenta en plena crisis americana con los misiles de Cuba como un director de cine de terror de serie b viaja por todo EEUU presentado sus film de bajo presupuesto. Inventando incluso sistemas de video y audio como el Atomovisión. Incluyendo la presentación del propio director al que da vida John Goodman, en plan Alfred Hitchcock presenta. El film se muestra bajo el género de la comedia. Teñida eso si de blanco, para toda la familia. Que no es nada malo en absoluto. La película funciona en todos los sentidos. Desde sus actores, pasando por un guión sencillo pero ingenioso(aunque beba claramente de referentes cinéfilos claros), hasta su puesta en escena. Dante encima sabe darle el ritmo adecuado, con sus pausas y acelerones donde corresponde.

Lo que me maravilla de esta película es lo bien que sabe mezclar los diferentes estilos cinematográficos. La comedia de adolescentes, la ciencia ficción, el drama, y ese toque de road movie. Dante presenta este film desde la perspectiva de una película dentro de otra. Lo que siempre ha sido un recurso por lo general bien aprovechado en esto del  cine. 

Como no podía ser de otra forma, algunos actores fetiches del director tienen sus apariciones, como el caso de Dick Miller. Por desgracia todo el amor que desprende este film no se reflejó en la taquilla. Su presupuesto ajustado de unos 13 millones de dólares, no se pudo recuperar como mínimo. Y solo dejó en caja unos 9 millones y medio. Pero bueno, lo que importa es que este film desprende amor por una época, un género y un estilo de hacer cine. Ese que me gusta, donde encuentras pasión y arte por ofrecer algo entretenido con calidad. Ya quisieran muchas pelis de palomitas hoy poder tener la mitad del encanto de obras como esta.

Puntuación general: 8/10 

LA FAMILIA WESTMORE

Verdaderamente curioso lo de la familia WESTMORE.
Que seria del cine sin la caracterización de los personajes.

Es ahí donde entra en escena esta avenida y larga familia dedicada convertir en realidad las ideas de los directores de cine.

Hoy voy a realizar un escueto recorrido por algunos de sus miembros.

Aquí tenemos a Perc, Bud y Wally Westmore. Todo empieza con el patriarca de la familia. Que llega a EEUU desde su Isla de Wight natal. Tras haberle cortado el pelo a personajes ilustres, como al mismísimo Churchill. Se establece en Hollywood, con un nombre ya echo desde Inglaterra. Allí se mete en el mundo del cine. Cortando y maquillando para los actores. 

George Westmore

Entre algunos de sus trabajos destaca el Robin Hood de Douglas Fairbanks. Algunos de sus hijos siguieron sus pasos. En total seis de ellos fueron los encargados de acicalar a muchas de las estrellas en el Hollywood clásico. El hombre tuvo 19 hijos en total. Sin duda un tipo ocupado este George Westmore.

Sin duda los mas relevantes fueron los citados al principio.

Entre ellos el que tuvo mas repercusión fue Perc Westmore. Pues mantuvo una estrecha relación profesional con una de las personalidades mas fuertes de la era dorada de la meca del cine, Bette Davis. A lo largo de las películas en las que trabajaron juntos tuvieron muchos roces. 

Pero Bette sabia muy bien que no había nadie como Perc para dejarla tal como ella quería en sus films. Caso de la famosa caracterización en "La vida privada de Elizabeth y Essex"(1939). Durante décadas muchos personajes icónicos a lo largo del tiempo. Fueron obra de los famosos hermanos. Ahi tenemos a "Creature from the black lagoon"(1954), "La isla de las almas perdidas"(1932), "Doble identidad"(1944), "El crepusculo de los dioses"(1950) o "Atrapa a un ladrón"(1955).

Bud Westmore a la derecha creando magia

Sus famosos peinados lo podemos encontrar también en un film que ha traspasado el cine como mero entretenimiento. Para tomar la moda en plena calle. Como es el caso de Audrey Hepburn en "Desayuno con diamantes"(1961). Que corrió a cargo de Wally Westmore.
Otros de la saga familiar como Marvin G. Westmore. Han trabajado en películas como "Blade Runner"(1982).
Una familia que han escrito letras de oro en el mundo del celuloide. Gracias a sus peinados, maquillajes y caracterizaciones de todo tipo. Que poseen incluso una estrella en el paseo de la fama de Hollywood.

LA CASA DE LA COLINA

LA CASA DE LA COLINA(1951)

Siempre he tenido la duda de en que género meter esta película. Sin duda su director consiguió una obra que bebe de muchas fuentes. Sin que por ello el resultado final se resquebraje en ningún momento. Al contrario, cada toque, cada insinuación. Solo hace que estemos ante una maravilla en si misma. Adaptación de una novela de 1947. Un pequeño clásico compuesto de sombras y luces, que se nos entrega para que nos sintamos inquietos en nuestra butaca. Se podría decir que tenemos dos películas en una, pero de la misma manera totalmente complementarias. En esta primera parte se nos muestra un drama centrado en la segunda guerra mundial. Donde se establece la base para el resto del film. En un intercambio de personalidades que empata directamente con el segundo bloque. Y que sin duda es el que pone a esta película en el mapa para mi. Aquí tenemos a la protagonista femenina, Valentina Cortesa.

Una de las grandes del teatro italiano. Y que por alguna extraña razón nadie parece acordarse de ella en el terreno del séptimo arte. Pese a ser un extraordinaria actriz. Trabajando con gente como Antonioni, Truffaut, Mankiewicz o Aldrich. Incluyendo una nominación al oscar por "La noche americana de Truffaut"(que le levantaría Ingrid Bergman), y que todavía sigue entre nosotros con 95 años. Bueno,,que me enrollo. Como protagonista masculino tenemos a Richard Basehart. Un actor correcto que con su mirada aporta al personaje el toque ideal. La historia nos cuenta como una mujer suplanta la identidad de otra que muere en un campo nazi.

Se va a los EEUU, y allí se hace cargo de el hijo de esta. Casándose posteriormente con el hombre que lo tiene a su cargo.

El film es dirigido por un artesano con un buen puñado de clásicos bajo el brazo. Entre ellos fue el montador de "Ciudadano Kane"(1944). Y dirigido el clásico de terror "El ladrón de cadáveres"(1945). Muy detallista, siempre con buenos personajes que desarrolla. Y muy exquisito a la hora de dar la atmósfera adecuada ha cada film.

Wise nos ofrece un trabajo de orfebrería, preciso y cautivador. Si en un primer momento nos hace sentir consternados. Con lo que nos muestra en el campo de concentración. Empatizando rápidamente con la protagonista. En un alarde de efectismo total. El grueso de la historia cambia para hacernos sufrir de intranquilidad y nerviosismo. Entrando directamente en el suspense. Con una puesta en escena fantasmagórica por momentos. Desde que la protagonista hace contacto visual con la mansión. El giro pues es de los que se quedan anclados en la mente. Casi como un cuento gótico se van sucediendo los acontecimientos. Los actores están sublimes. Donde la pareja se muestra compenetrada desde el primer momento. En este film todo funciona como un reloj. Pero si por algo destacaría este trabajo. Es por la autenticidad que desprende. Puede que nos recuerde a otras películas, que tenga sensación de "esto ya me lo han contado". Pero cuando lo llevas a tu terreno(en este caso al de su director). Lo vistes con tus armas. Y facturas un film de los que sabes que el espectador jamas podrá olvidar. Entonces has ganado. Decir que algunas imágenes son reales,(concretamente las de la llegada de los refugiados he inmigrantes hasta las costas de EEUU). Un film que merece para mi todos los elogios del mundo. Y que se mantiene igual de fresca y tensa en su visionado, tantas veces como a uno le apetezca verla.

Puntuación general: 8/10

EDEN LAKE

EDEN LAKE (2008)

Una de las cintas más terroríficas de la última década, es para mi esta que traigo hoy. Extrictamente hablando no estamos ante una de terror clásica del género. Pues es más bien un ejercicio de terror psicológico, con una alta dosis de tensión. Salpicada por unas escenas cruentas y malsanas. De ese cine que hace que nos sintamos incómodos ante las circunstancias que viven los protagonistas. De procedencia inglesa, "EDEN LAKE"(2008), sustenta su propuesta en algo básico como la supervivencia. Esta puede ser en diferentes estados y formas. Lugares y vicisitudes. La trama que nos propone el director James Watkins no es desde luego original. Pero a estas alturas no esperamos que cada nueva película que veamos aporte ese dato. Una pareja se decide a pasar un fin de semana en un lago. Tranquilidad, aire puro, chapuzones, hogueras. Lo normal si uno prepara ese tipo de excursión. Al final ven que no están solos, pues un grupo de adolescentes están por la zona. Entre estos dos bandos se desata las hostilidades. Que ha medida que avanza el film toma cuerpo y forma. 

Como protagonistas tenemos al por entonces a punto de saltar a la fama Michael Fassbender. Y a la preciosa Kelly Reilly. Los cuales tienen muy buena química. Y donde ella para mi tiene el papel más sabroso. Con momentos de auténtico esplendor. Y que toma las riendas ante la mayoría de situaciones que se le cruzan en su camino. El film tiene el terror en forma de pandilla adolescente. Unos macarras con un líder indiscutible. Que arrastra al resto por caminos nada aconsejables. Los momentos de angustia y desasosiego van en aumento con cada minuto que transcurre por su visionado.

Son muchas las películas en las que chavales de más o menos edad, siembran el terror entre los adultos. Y desde luego esta es una de las más violentas y desagradables que he visto en la pantalla.

Le falta algo para tildarla por mi parte de obra maestra. Pero desde luego que su propuesta dentro de la sencillez de su guión. Tiene todas las virtudes bien puestas. Tenemos pues para mi, una de esas cintas que engloban todo lo bueno del género. Y que encima cuenta con unas interpretaciones por encima de lo exigido para el cine de terror actual. Donde todos están realmente estupendos. Os puedo asegurar que el que se atreva a verla. Pasará una incómoda hora y media frente a la pantalla y su propuesta.

Puntuación general: 7/10

ANÁLISIS FINAL

ANÁLISIS FINAL (1992)

Todos tenemos films que sabiendo que no son nada del otro mundo. Incluso diría yo, engendros precocinados, amamos en mayor  menor medida. La película de la que hablo hoy es uno de mis fetiches de los 90.

Esta obra bebe claramente del maestro Alfred Hitchcock. Es más, fusila directamente algunas de sus películas y retorcidas secuencias. Y lo hace su director sin prejuicios ni falsos engaños disimulados. Solo le hacía falta una pareja atractiva para el gran público. Una buena puesta en escena, un guión modesto y de andar por casa. Y pasta por parte de la Warner, que es la productora que está detrás. El director que llevó las riendas tras la cámara fue Phil Joanou. Un director americano de cine y videoclips(sobretodo en estas últimas lides es de donde cogió la fama, Bad de Michael Jackson, o U2 estaban entre su curriculum). Como decía la pareja protagonista era fundamental. Y ahí teníamos a Richard Gere y Kim Basinger. Ambos en el más alto grado de popularidad de sus carreras. Junto a ellos una jovencita Uma Thurman. 

También contamos con la presencia de Eric Roberts, siempre haciendo papeles inquietantes. La historia nos cuenta cómo un psiquiatra trata a una paciente. Ella atormentada por unos sueños aconseja que trate también a su hermana. Aquí nuestro doctor entra en el juego que le propone ella. Sin saber que se adentra en un terreno bastante pantanoso. El film juega al despiste (o por lo menos lo intenta en sus primer tercio), pero la cosa enseguida se caza si estamos un poco atentos a pequeñas pistas. 

El resultado final es un film distraído, que sabe lo que puede ofrecer, intentando no buscar intrincados recovecos que por otra parte el guión plano no puede ofrecer. Un thriller de tesituras suaves. Algún momento puntual tórrido sin excesos. En el plano actoral la cosa no es mucho mejor. Ofreciendo todos ellos (el mejor Eric Roberts) interpretaciones simples, correctas y algo sosas. La cosa no fue bien en taquilla. Ni siquiera con esa pareja que era lo único que prometía en cuanto a atraer al público a las salas. Unos 32 millones de presupuesto, para recaudar sobre los 28. Pese a todo, como decía en la entrada. Es un film que me entretiene. Que sigue la moda de otras producciones como Instinto Básico o Acoso. Todo en el huele a viejo, a reciclado, pero no desmerece como mínimo el visionado complaciente del espectador. 

Puntuación general: 6/10

RETORNO AL PLANETA DE LOS SIMIOS

RETORNO AL PLANETA DE LOS SIMIOS(1975)

Una de las sagas más explotadas sin duda es "El planeta de los simios". Cinco películas, más la saga actual. Serie de televisión y merchandising de todo tipo. Pero yo quería hablar un poco de su serie de animación. Que también la hubo. Corría el año 1975, y se estrenaba "Retorno al planeta de los simios". La serie constó de trece episodios.

El argumento aunque parecido al de los films. Tiene bastante más en común con la novela. Mostrando una civilización simia más avanzada que en la película original.

Así tenemos coches, televisores, radios. La ciudad nos ofrece edificios y zonas mas acordes con una gran ciudad.

La animación lógicamente es algo plana. Sin mucho movimiento cuando estamos viendo un plano. No es el fuerte de la serie. Lastrada como era de esperar por el año de producción. Por lo tanto la grandeza para mi se encuentra en sus guiones. Ágiles y muy bien narrados. Con unos diálogos inteligentes y contados con inteligencia. 

Los más veteranos quizás ya disfrutaron en su momento de ella. Yo la he visto recientemente, y aunque hoy día la animación ha avanzado tanto. Que esta clase de dibujos pueda producir risa. Creo que sigue siendo muy disfrutable su visionado. Lo que me hubiera gustado es que tuviera un final cerrado. Imagino que pudo tener falta de audiencia. Y que la serie fuera cancelada  sin llegar a terminar como debiera.  Con todo, animo a que le deis un vistazo. Siempre y cuando en vuestro interior aún tengáis a eso niño que fuimos una vez.

Puntuación general: 7/10

70 MINUTOS PARA HUIR

70 MINUTOS PARA HUIR(1988)

Traigo hoy a esta sección un film que me parece  sencillamente precioso. Una historia de amor envuelto bajo la amenaza del fin del mundo. Una película olvidada por el tiempo. Pese a contar con muchos atractivos.

Hay muchos tipos de films que cuentan la llegada del fin del mundo. Casi todas en plan catastrófico, y lleno de acción. Por ahí leo que este es un film posapocalíptico. Yo no lo veo así, pues la historia no se nos cuenta tras esa debacle, si no en el momento previo al fatal desenlace. Su director Steve Der Jarnatt autor también del guión. El film narra cómo un chico conoce a una chica, quedando perdidamente enamorado de ella. Ese mismo día quedan, pero el se queda dormido. Y cuando despierta, ya es muy tarde. En medio de ellos se cruza una llamada desde un teléfono público. Al otro lado una voz nerviosa y angustiada le cuenta al chico que se acerca el fin del mundo. A partir de ahí se desata la búsqueda de él, por dar con su amada. Una noche que se vuelve larga y caótica.

Los dos actores protagonistas hacen una magnifica pareja. El Anthony Edwards. Y ella Mare Winningham. Que durante los 80 tuvieron sus minutos de gloria. El ritmo sin ser frenético, se mueve sin pausa. Todo bajo la banda sonora del grupo Tangerine Dream. Todo se nos cuenta en el intervalo de una noche. Donde encontramos de todo. Desde persecuciones en coche muy clásicas de los 80. Ladrones de cassettes con el arquetípico hombre negro. Tenemos también gente haciendo gimnasia, incluido una pareja gay. Explosiones, y mucho romanticismo en todo lo que vemos en la pantalla. El director crea una atmósfera muy especial. Hipnotizándonos con todo lo que pasa por nuestros ojos. Es curioso como no hay nada novedoso en ella. Pero la envuelve algo indescriptible que la hace única en sí misma.

El título original del film, es una zona de Los Ángeles donde transcurre las peripecias de nuestros protagonistas. Su director antes de este film había realizado es película que a mi particularmente me gusta también. Aunque menos que esta maravilla de hoy, "Cherry 2000" si, ese film con Melanie Griffith y su pelo rojo. Estamos pues ante todo lo que los 80 desde su puesta en escena hasta su música de sintetizador nos ofrece. Espero que os haya entrado el gusanillo de visionarla. Tened por seguro, que pasaréis un buen rato frente a algo muy especial.

Puntuación general: 7/10

ENSALADA DE CÓMICS

Pues nada, otro mes que ha pasado. Y estoy de nuevo por aquí para colgar algunos cómics que me han parecido interesantes de los que han pasado por mis manos.

Empiezo por esta obra europea que aparentemente puedo hacerle pensar a uno que es un clásico cómic del oeste. Pues nada de eso, estamos ante un grupo formado por cuatro hombres para averiguar crímenes extraños. Xavier Dorison y Fabien Nury al guión. Y dibujo de Cristian Rossi. Una buena historia con un dibujo sucio y estilístico. 4/10

Este otro también es de corte europeo. Escrito este de nuevo por Fabien Nury, con el arte de Thierry Robin. Estamos en los últimos días de Stalin, aquí mezcla la realidad con la ficción. Un trabajo sobrio, aunque algo falto de chispa. 3/10

Con guión y dibujo de Sean Murphy. Esta historia nos cuenta cómo un chico es el experimento de un programa de televisión. Donde su adn dice fue extraído del propio Cristo. Estamos ante un cómic que con el eje central de este hombre. Hay giros y pensamientos sobre la humanidad y lo que nos espera. Todo a través de un programa de televisión. Un trabajo realmente bueno, profundo, dinámico y que deja poso. 5/5

Y termino con el segundo tomo de Batwoman. Seguimos las aventuras de Kate, que poco a poco van revelando su pasado y presente. Con un guión bien construido, un dibujo estable, con una buena narrativa. Yo estoy disfrutando mucho con una de las componentes de la Batfamilia. 4/10

Y hasta aquí las recomendaciones (bueno, no tal vez eso), solamente historias que me han gustado. Nos vemos el mes que viene. 

AGÁRRAME ESOS FANTASMAS

AGÁRRAME ESOS FANTASMAS(1996)

Hay películas que aunque uno intente que le guste más que la primera vez que la ve, no hay forma de que con ese segundo visionado la cosa cambie a mejor. Veintidós años a pasado desde que viera este film en el cine. Pese a las muchas veces que ha pasado por la pequeña pantalla desde entonces, no fue hasta ahora que me dispuse a volverla a ver.

Y la verdad es que la experiencia no ha sido como esperaba. 

Su director Peter Jackson con este film digamos que se dejó querer por el cine de Hollywood, y realizó una película amable. Un producto que fuera de consumo. Sabemos que venía de realizar un cine de bajo presupuesto y bastante gamberro. Aquí se sofisticó y creó una película de fácil digestión. La historia nos cuenta como un parapsicólogo defrauda a sus clientes en beneficio propio. Cuenta con la ayuda de unos fantasmas que hacen el trabajo sucio. Hasta que un día uno muertes extrañas pone su mundo patas arriba. Para el protagonista contó con Michael J. Fox, que hace un trabajo correcto. Con esas vis cómica que le sale natural. Estamos ante un película que bebe del género fantástico, con dosis de humor. La mezcla no funciona mal, pero es a ratos demasiado inocua. 

Tenemos a otros actores referentes del fantástico y terror. Como a Jeffrey Combs o Dee Wallace. La historia como tal funciona medianamente bien, si lo tomamos como es. Una simple película que no va más allá de proporcionar un entretenimiento ligero. Personalmente creo que un poco de mala leche por parte de su director le habría venido muy bien al film. Ese toque que tiene sus films anteriores.

La película se rodó entre Nueva Zelanda y Tulsa (EEUU), entre mayo y noviembre del 95. En taquilla la cosa no funcionó, aunque hoy día tengamos la sensación de que si. Con un presupuesto de unos 30 millones de dólares, su taquilla fue de unos 29 millones. Hablamos de una superproducción de Nueva Zelanda, y claro, ese dineral invertido era casi de prever que sin la maquinaria de Hollywood detrás, la cosa no fuera a ir muy bien. El film pasó por el festival de Sitges, consiguiendo el premio a mejores efectos especiales para Richard Taylor. En conclusión, un film amable, con algunos momentos interesantes, pero que al final deja la sensación de que se podía haber sacado mucho más provecho. Tanto de su plantel de actores como en su forma y fondo de narrar y presentar la historia. 

Puntuación general: 5/10

CELIA YANCEY "Yancey"

Sintiéndolo mucho no puedo contar prácticamente nada de esta mujer. Una de esas joyas que nunca tuvo continuación. Y que se suele dar con mucha frecuencia. CELIA YANCEY grababa en 1976 el disco "Yancey". Una bestialidad con multitud de influencias. Desde luego lo primero que destaca es la impresionante figura de esta mujer. Bella y sensual a rabiar. El contenido no tiene desperdicio. Aquí encontramos rock, glam, funky, soul, y algo de sonido disco. Pero todo con clase. Nada de canciones de usar y tirar. Yancey canta con una fuerza descomunal. Me recuerda por un lado a la sensualidad de Betty Davis al cantar. Junto con el sentimiento que desprendía Janis Joplin. Desde la inicial "Makin' music for money". Y perlas como " If Love Is For The Askin", "Race Horse", " Sha, La, La, La, La, La (I Guess It Was Meant To Be" o " Honey Bee (Huh, Huh, Huh, Huh" Hasta el final tenemos un gran disco plagado de canciones sin un solo relleno de por medio. Todo envuelto en una preciosa y sexy portada.

LOS CRÍMENES DEL MUSEO DE CERA(1953)

Estamos ante la mejor y más recordada versión, "LOS CRÍMENES DEL MUSEO DE CERA"(1953). La original fue rodada en 1933 (Los crímenes del museo) por nada menos que Michael Curtiz. Una más que eficiente película, pero que en esta nueva adaptación se mejoró en prácticamente todos los sentidos. Rodada por la Warner con un presupuesto de 1 millón de dólares, se realizó en 3-D, esto quería decir que para el rodaje de cada escena se tenía que hacer con dos cámaras con el mismo encuadre a la vez. Fue también el espaldarazo a la popularidad de Vincent Price, convirtiéndolo en todo un icono en el terreno del terror.

A la dirección estuvo André De Toth, (un director sobre todo dedicado a los western), también hace acto de presencia un jovencísimo Charles Bronson. Un escultor de figuras de cera es sometido por su socio a incendiar el local, para recuperarse del desastre económico que están viviendo negándose éste. Aún así el sitio es finalmente pasto de la llamas. En la reconstrucción del mismo, una serie de extraños sucesos empiezan a sucederse. Unas interpretaciones fabulosas, un gran guión, unos magníficos decorados, son dirigidos por Toth de forma excelente.

A destacar igualmente la maravillosa e inquietante banda sonora a cargo de David Buttolph. Un film maravilloso, que fue un gran éxito de taquilla. Una cinta que perdura más allá de cualquier época. Curioso es que el trailer promocional no incluye ninguna imagen, haciendo hincapié únicamente en esa forma de rodaje tridimensional.

Puntuación general: 8/10

AULLIDOS

AULLIDOS(1981)

El inicio de la década de los 80 nos trajo un renovado estilo dentro del terror. Una de las grandes obras que nos ocupa hoy es "THE HOWLING" llamada aquí "Aullidos" (1981). Cinta de hombres lobo de una factura impecable y sorprendente. La historia narra el retiro de una periodista tras el intento de asesinato de ésta. Va a parar a una especie de comuna para desconectar y ser tratada por un psicólogo. Allí una pesadilla aún peor la estará esperando. 

La película es una revisión del mito adaptada a los nuevos tiempos por aquel entonces.

Estamos ante un film que ha ganado con los años. Su puesta en escena, los efectos especiales y sobretodo ese aroma tan particular que supo sacar su director. 

Dirigida por Joe Dante, un especialista en el género del terror y fantástico.

Sabe como mostrarnos el miedo poco a poco, hasta dejarnos entusiasmados una vez termina la película. Su protagonista es Dee Wallace, cuya carrera ha estado muy ligada al cine fantástico y de terror.  Si por algo también destaca este film, es por lo espectacular de sus efectos especiales. Creados con arte y esmero, que hoy más de 30 años después sigue igual de fresco. Las secuelas tras el éxito de esta cinta se sucederían sin parar, pero ninguna le haría sombra a esta maravilla. 

Puntuación general: 7/10

ILSA LA LOBA DE LAS SS

ILSA LA LOBA DE LAS SS(1975)

Una de esas películas que no deja indiferente a nadie. Que con el paso del tiempo se ha convertido en una cinta de culto. Venerada y odiada por igual. "ILSA LA LOBA DE LAS SS. Dirigida por Don Edmonds con bastante sadismo (pero siempre en el buen sentido) sabiendo que su bizarrismo lo hace casi como un juego visual simplemente. Para protagonizar la película y tras ser rechazada por otra actriz, recayó en la voluptuosa y casi por su imagen chica Russ Meyer llamada Dyanne Thorne. Sencillamente esta mujer se adueña literalmente de cada plano en el que aparece. Aquí nos encontramos en un campo de concentración gobernado por esta dama. Que acompañada por sus subordinadas militares infringen en los presos (de ambos sexos) infinidad de torturas e inoculaciones de enfermedades para probar sus medicamentos experimentales. La teoría de esta mujer es que ellas, como militares serían mas ventajosas que los hombres. Pues ellas tienen más aguante ante el dolor y sufrimiento. 

La mezcla que se produce en este film abarca desde el sexo, gore, sadismo y belicismo. Todo está pensado y rodado para levantar o hacernos esconder instintos y miradas turbias.

En realidad es muy difícil encuadrar esta película en un género concreto. Pues como vemos toca muchos estilos sin llegar a definirse en ninguno. Es quizás aquí lo grande de su propuesta. Haciendo de ella un film bastante especial. 

El vestuario del film sin duda a ayudado a su estado actual como película que perdura en muchos aficionados. 

Su estética en todo lo que rodea al film forma parte de un encanto que hoy día sigue vivo.

Estamos no olvidemos ante una cinta de serie b. Con todo lo bueno y malo que ello conlleva. Y que aquí nos muestra su mejor versión. A mediados de los 70 y para la comunidad negra se realizaban las pelis llamadas "blaxploitation". Tras ILSA se abrió un nuevo mercado, y empezaron a realizarse films con temática parecida. Acuñándose el término para definirlas como "Nazi exploitation". Y que tendría en la película de Tinto Brass, "Salon Kitty" a su máxima competidora. ILSA tuvo sus hermanas menores en dos films posteriores. Con Dyanne Thorne sembrando el pánico embutida en el mismo uniforme. Una cuarta parte llegaría dirigida por Jess Franco (aunque esta no entra dentro de las oficiales). Una película que una vez vista jamás se olvida. Sugerente y grotesca a la  vez.

Puntuación general: 6/10

LUNA DE PAPEL(1973)

Llevaba tiempo queriendo traer una de las cintas que más gratos momentos me ha hecho pasar. Pero por unas u otras circunstancias lo he ido posponiendo. La forma de contar historias que tiene Peter Bogdanovich, siempre me ha encantado. Y si tuviera que quedarme con esa que me produce grandes emociones sería esta."LUNA DE PAPEL"(1973).

Estamos en la época de la gran depresión. Y ya sabemos que por aquel entonces las gentes hacían lo que fuera por sobrevivir. Tenemos pues la historia de un hombre que con su facilidad de palabra, Ira cometiendo todo tipo de estafas y chanchullos. Pocas veces he visto una química tan fuerte entre los dos protagonistas. Ryan O'Neal y Tatum O'Neal. Vale, sabemos que son padre e hija. Pero eso no quita para que frente a la cámara, asistamos a una compenetración tan brutal. 

Bogdanovich tenía claro desde un principio que para rodarla, el blanco y negro era esencial. Para transmitir el momento de una historia y época concreta. El film está basado en una novela. Aunque el guión llevado a la pantalla sufrió varias modificaciones, incluyendo el título del libro. Lo que podemos ver es una comedia llevada con tal maestría, que por momentos uno no se da cuenta de que el fondo de la historia es de amargura. Donde la vida de ambos protagonistas navegan sin un rumbo fijo. Y que la orilla no es más que la incertidumbre. Destacar también la magnífica y poco reconocida actriz, Madeline Kahn. Ella pone el punto frenético y sexual al film. Con una actuación estupenda y brillante.

Aquí todo encaja como un guante. Destacar como no, esa fotografía preciosa y luminosa. Porque el blanco y negro no tiene por que ser triste y apagado. Corrió a cargo de Laszlo Kovacs. Que venía de hacía tiempo colaborando con Bogdanovich. Una película fresca, luminosa. Que se nos va en un suspiro. En un entretenimiento de alto y fructífero visionado. Para rematar el buen hacer del film. Tatum O'Neal fue galardonada con el Oscar a la mejor actriz secundaria(a mi entender debería haber sido incluida en actriz protagonista, pero en fin). Categoría a la que también optó la propia Madeline Kahn. El film también se llevó otros premios a lo largo del globo. Una delicia que no ha perdido su encanto y sabor. 

Puntuación general: 8/10