Curiosa cinta esta que traigo hoy a esta sección. Un thriller adolescente con estética punk y temática de ciencia ficción. "REPO MAN" fue dirigida por Alex Cox en 1984. Con un joven Emilio Estévez y el poco valorado Harry Dean Stanton. La cinta nos cuenta las peripecias de un grupo de hombres que se dedican a requisar coches que sus dueños no pueden pagar. Mientras tanto se verán envueltos en un asunto de máxima seguridad del gobierno.
Todo transcurre en cierta medida como si fuera un western trasladado al asfalto.
Cambiando las canciones crepusculares por temas de corte punk y hardcore. A medida que va avanzando el film se va volviendo más y más surrealista. Jóvenes pasado de vueltas, maduros que creen saber el significado de la vida. Policías y agentes federales sin escrúpulos. Y un misterioso maletero que esconde un poder sobrenatural.
"Repo man" es una de esas películas con un carácter y atmósfera especiales. Ni es una película seria, ni pretende serlo. Es una mirada alocada y surrealista de un entorno que por aquellos años parecía destinado a inundar muchos hogares americanos.
La delincuencia en plena era Reagan asolaba EEUU.
Si sumamos a todo eso seres extraterrestres, y una buena dosis de humor negro bañado por temas de bandas de música como Suicidal Tendencies o Black Flag, tenemos una cinta que el tiempo la ha convertido en eso que llamamos película de culto.
Para disfrutar de este film hay que sentarse predispuesto a que el director juegue a lo que quiera con nosotros. Sin que tengamos que analizar lo que nuestros ojos vayan viendo.
Bienvenidos a las calles inseguras de una ciudad como Los Ángeles
Las clases sociales y la supervivencia a examen La reciente película ganadora en el festival de Sitges de este año se ha revelado como un film de gran personalidad dentro del anquilosado panorama español, que salvo aisladas excepciones en los últimos años pone todo su fuerte en producir comedias de medio pelo por norma general. "El Hoyo" según palabras de su director debutante Galder Gaztelu-Urrutia "El HOYO es un proyecto que pretende, a través de una metáfora muy simple, enfrentar al
espectador con las dimensiones y los límites de la solidaridad". Y así nos lo muestra en la pantalla sin cortarse en unas metáforas bien definidas y claras. Su director define la película como "thriller social" y la verdad es que es una perfecta conjunción de palabras para expresar lo que nos muestra. "El Hoyo" cuenta como una especie de cárcel está divida por niveles, en cada uno de ellos conviven 2 personas. Atravesando esos diferentes niveles pasa cada día una plataforma con comida para todos los internos desde la superior a la inferior. Hasta ese lugar llegan personas en paro que voluntariamente deciden entran o criminales de todo pelaje.
Tenemos como autores del guión a David Desola y Pedro Rivero, este último ganó el Goya a mejor película de animación por Psiconautas:los niños olvidados en 2016. En la parte actoral contamos con el protagonismo de Iván Massagué como Goren, que es el actor por el que gira el film y nos presenta a los demás compañeros de celda. Zorion Eguileor como Trimagasi, Antonia San Juan haciendo de Imoguiri, Emilio Buale como Baharat y Alexandra Masangkay en el papel de Miharu. Estamos ante el dilema del ser humano, la supervivencia a toda costa, o puede que seamos considerados y nos preocupemos por el prójimo. Ambientada en un futuro distópico, no sabemos el año ni el lugar de la tierra donde nos encontramos la narración, eso le da un plus pues la hace global a todos los niveles.
La atmósfera claustrofóbica juega un espacio recurrente en la propuesta, la comida como eje argumental, la superación del miedo, la empatía con otro ser humano o la individualidad como egoísmo. Su director hace que "El Hoyo" fluya narrativamente, salpica la pantalla con un bestialismo animal que le da una crudeza que puede en algunos momentos hacernos revolver en la butaca (o donde une esté), consiguiendo el objetivo de provocar y mover conciencias. Quizás por momentos se torna perezosa en ofrecer información del exterior que le vendría bien a la historia, donde ciertos detalles de nuestros protagonistas y la sociedad donde se sitúa la acción hubiera enriquecido la empatía hacia los que se encuentran en el hoyo. Una cinta arriesgada, efervescente y de riesgo, que sale victoriosa aunque con ciertas cosas por pulir. Una de las sensaciones que están despertando grandes elogios a nivel mundial.
Puntuación general: 7/10 (fotos y video: elhoyolapelícula.com) Como extra os dejo la entrevista que le realizaron en el programa La Script en Movistar+ a su director Galder Gaztelu-Urrutia
Cuando
se habla de las bandas funk más importantes de los setenta se suele
citar, como norma general, a formaciones fundamentales como Sly
& The Family Stone,
Funkadelic/Parliament,
The
Meters,
Isley
Brothers,
etc, quedando en un segundo plano grupos como Mandrill,
probablemente por cierto desconocimiento, porque quizás no tengan
una obra maestra de referencia como los anteriores o por su
demostrada voracidad a la hora de absorber estilos (funk, soul,
psicodelia, rock, salsa, progresivo, blues, jazz, etc), que pueden
convertir su propuesta en algo indigesta, según ciertos paladares.
Fundada
en 1968 por los hermanos Wilson
(sí, amigos, existían otros hermanos Wilson,
pero éstos eran negros y no tenían fijación por el surf y la
playa): Carlos
Wilson
(trombón y voz), Lou
Wilson
(trompeta y voz) y Ric
Wilson
(saxo y voz), que aunque nacidos en Panamá (un dato fundamental a la
hora de determinar el influjo de la salsa o la música latina en su
música), emigran siendo críos a Estados Unidos, instalándose en el
área de Bedford-Stuyvesant (Brooklyn).
Tomando
el exótico nombre de una vistosa variedad de monos de África
Occidental, realizan sus primeros ensayos en la peluquería de mamá
Wilson,
entre lacas y secadores de pelo. Progresivamente se van incorporando
nuevos miembros: Claude
“Coffee” Cave
(teclista y voz), Omar
Mesa
(guitarra), Bundie
Cenas
(bajo) y Charlie
Pedro
(batería), hasta que finalmente consiguen un contrato con Polydor
Records,
donde publican un más que notable debut, “Mandrill”
(1970), en el que dan muestras de su ADN musical, ya que ningún
estilo se les resiste: Soul sinfónico (“Symphonic
revolution”),
influencias más que evidentes del mejor Santana
(“Rollin’
on”,
“Mandrill”),
e incluso hay espacio para una larga suite conceptual de catorce
minutos dividida en cinco movimientos, “Peaceand
love(Ameni
Na Mapenzi)”,
que ríete tú de Emerson, Lake & Palmer.
Pero
es con su segundo trabajo “Mandrill
is”
(1972), y tras la entrada al bajo de Fudgie
Kae Salomon
en sustitución de Cenas,
donde la banda logra dar forma, bajo mi punto de vista, a su obra más
completa. Grabada, al igual que su debut, en los estudios Electric
Ladyland de
Hendrix
(New York) entre diciembre de 1971 y marzo de 1972, con su productor
de confianza, Alfred
V. Brown,
y con una más que sugerente y mística portada, reafirma todo lo
positivo logrado en su anterior disco, llevándolo un paso más allá
y ampliando su paleta de influencias: Trallazos funk (“Ape
is high”, “Git it all”),
salsa (“Cohelo”),
progresivo (“Children
of the sun”,
“Central
Park”),
influencias africanas (“Kofijahm”),
desvaríos cósmicos (“Universal
Rhythms”),
el omnipresente Santana
de nuevo (“Lord
of the golden baboon”),
hard-rock (“Here
today gone tomorrow”)
o soul (“I
refused to smile”,
“The
sun must go down”).
Si
bien con este segundo álbum consiguen sus primeros éxitos (los
mencionados “Ape
is high”
y “Git
itall”),
será con su siguiente disco, “Composite
truth”
(1973), la entrada de un nuevo batería (NeftaliSantiago)
y sus correspondientes singles, el funky “Fencewalk”
y el pegadizo ritmo latino de “Hang
loose”,
con el que alcanzarán una mayor repercusión entre el público. Del
resto de cortes destacan la salsera “Hágalo”,
el atmosférico instrumental latin-soul “Morocco
nights”
y la hipnótica “Don’t
mess with people”.
En
ese prolífico año entregan
a Polydor
otro recomendable trabajo, “Just
outside of town”
(1973), entre los que sobresalen “Mango
meat”
y “Fat
city strut”
(otros dos buenos ejemplos de la perfecta fusión entre funky y
música latina) y la sensual balada “Love
song”.
El
siguiente paso será
“Mandrilland”
(1974), un doble álbum muy ambicioso donde todavía mantienen el
tipo compositivo, con cortes marca de la casa como “Positive
thing”,
“Road
to love”,
“House of wood”
o “Folks
on the hill”,
aunque sin aportar nada especialmente novedoso.
Es,
a partir de su marcha a United
Artist Records,
cuando su estrella empieza a declinar, debido principalmente a la
inevitable repetición de esquemas, la creciente falta de inspiración
y el celo de los hermanos Wilson por preservar el control de la
banda, que provoca la constante entrada y salida de nuevos miembros.
De todos modos, para dicho sello publicarán dos álbumes: “Solid”
(1975)
y “Beast
from the east”
(1976).
Aun
disfrutarían de algún éxito aislado con su debut para Arista,
”We
are one”
(1977), que incluía tres recomendables temas, “Funky
monkey”,
“Gilly
Hines” y
“Can
you get it (Suzie Caesar)”
o su aportación para las bandas sonoras de “The
greatest”
(1977), la película sobre Mohammed Ali y “The
Warriors”
(1979), el film de culto de Walter Hill, para la que contribuyen con
la correcta “Echoes
in my mind”.
Y, posteriormente, dos álbumes anecdóticos más: ‘Energize’
(1982) y ‘Live
at Montreux 2002’
(2006).
Ignoro
si Mandrill
siguen actualmente en activo, y más teniendo en cuenta el
fallecimiento hace unos años de uno de los hermanos fundadores, Lou
Wilson.
De todos modos, cualquiera de los cuatro primeros álbumes supone una
buena forma de introducirse en el universo personal de un grupo que
si bien no ha sido fundamental, merece un mayor respeto (ha sido
sampleado por Public Enemy, Kanye West o Eminem) y es un claro
ejemplo de la efervescente y prolífica escena negra americana de
principios de los setenta.
Antes
que comiences a leer esta reseña, por así llamarla, quiero que
sepas que se me pudo haber ‘escapado’ algún que otro spoiler.
Era
el año 2017 cuando vi los avances de una nueva serie televisiva
española que, de ahí a poco sería transmitida por la plataforma
Netflix. Esta serie, creada por Álex Pina, estaba filmada y
producida al mejor estilo americano que, como todos sabemos, son los
reyes indiscutidos en esto. Así fue que inicié el primer capítulo,
muy curiosa y con mucho entusiasmo. Allí me encontré con actores
que, en lo personal, nunca había visto... pero vayamos por partes.
Todo
inicia con un simple hombre. uno que, según mi opinión, cualquiera
de nosotros podríamos conocer o haber cruzado en nuestra vida. A
este personaje lo llamaremos como “el
Profesor”, y es
interpretado por un muy creíble Álvaro
Morte. El verdadero
nombre del Profesor es Sergio Marquina y, para describirlo en pocas
palabras, es un muy inteligente jugador de ajedrez. Es un hábil
estratega, capaz de predecir con muchísima anticipación cada movimiento del adversario; y será el encargado de reunir al grupo que
realizará el atraco más grande de la historia de España...
asaltarán la Fábrica
Nacional de Moneda y Timbre. A
la primera que reclutará es a Úrsula
Corberó en la piel
de Silene Oliveira. Una ladrona al mejor estilo Nikita; ágil, fría,
calculadora, que no se confía de nadie. Ella será también la voz
en off de toda la serie, quien irá relatando pensamientos y
sentimientos de cada uno de los protagonistas. Es por el modo en que
ella conocerá al Profesor, que no meterá en discusión ni a él ni
a sus reglas. Las dos principales de estas reglas del Profesor serán:
ninguno debía saber el verdadero nombre de sus integrantes, y no
podían relacionarse entre ellos. Es por éstas que a Silene la
conoceremos como “Tokio”.
Luego aparecerán Paco
Tous y Jaime
Lorente, en los
roles de padre e hijo respectivamente. Ambos son ladrones, pero el
padre, “Moscú”,
será imprescindible para el plan, ya que es un ex-minero; y, aunque
su requisito fue que el hijo, “Denver”,
hiciera parte del grupo, al final tal vez se arrepienta de esta
decisión.
La
otra mujer del grupo será nada más y nada menos que Alba
Flores (me bastó
verla y oírla para saber que era la única hija del recordado Antonio
Flores, por ende, venía de una estirpe de artistas). Ella
interpretará a Ágata Jiménez, o mejor dicho “Nairobi”,
una experta falsaria que, como se imaginarán, será también una
pieza clave del grupo. De todos modos, no nos olvidemos que estamos
en la era de la tecnología; y, para lo que proyectaba el Profesor,
necesitaba sí o sí un hacker. Para este papel se recurrió a un
jovencísimo Miguel
Herrán, el cual
mereció el premio Goya como “Actor revelación” por su trabajo
como Aníbal Cortés, alias “Río”.
Si bien la parte de ‘inteligencia’ estaba cubierta, también se
necesitaría la ‘fuerza’, y para ello se unieron al grupo dos
soldados serbios, veteranos de la guerra de Yugoslavia. Dimitri
Mostovói, “Oslo”
y Yashin Dasayév, “Helsinki”;
interpretados por Roberto García Ruiz y Darko Peric respectivamente
(este último es realmente de nacionalidad serbia). Obviamente el
atraco que estaban por realizar no era sencillo; el Profesor, cerebro
del grupo, estaría fuera del edificio, por lo que tendría que dejar
el comando de toda la operación en las manos de alguien de su entera
confianza: su hermano. Pedro
Alonso será Andrés
de Fonollosa, “Berlín”;
y que, para mi gusto, ha sido una de las mejores interpretaciones de
la serie, un personaje bastante ambiguo, que se amaba y odiaba a
partes iguales.
Así
se formó el grupo de ‘malos’, que tan malos no eran después de
todo, ya que en ningún momento han querido dañar a alguien. Se
diría que son unos ladrones al mejor estilo Robin Hood si
se quiere; o no, porque en realidad ellos no robarían nada sino que
‘fabricarían’ su propio botín. Y en esto se enfrentarán a unos
agentes de policía también bastante particulares El
atraco inicia con una toma de rehenes, por lo cual es imperativo
llamar a alguien que sea capaz de negociar, que sepa mucho de
psicología. Y es ahí que llega Itziar
Ituño en la piel
de la inspectora Raquel
Murillo. Ésta
trabaja junto a su fiel compañero, el vice inspector Ángel
Rubio, interpretado
por Fernando Soto;
y ambos se enfentrarán a un muy autoritario Juan
Fernández en el
papel del coronel Alfonso
Pietro. Y es aquí,
en la interacción de todos estos personajes tan heterogéneos, donde
encuentro los primeros ‘problemas’.
El
primero es que todos los integrantes de la banda de ladrones -quien
más, quien menos-, parecen tener una personalidad bordeline. El
mismo Profesor pasa de ser un excelente estratega, a un hombre tan
enamorado que se le pasa por alto las transgresiones a sus propias
reglas, para ir detrás de su amada. Y ésta no es otra que la
inspectora encargada de apresarlo; que siendo experta en psicología,
no es capaz de resolver su situación personal: está aún atada a un
ex-marido violento y manipulador, lo cual hace mella no sólo en su
trabajo sino en su vida actual, creando un vacío afectivo que parece
rellenar con el primero de turno. Ni siquiera los que se presentan
como los ‘criminales profesionales’ se salvan, ya que de un
momento a otro pasan a ser los novatos más improvisados; el culto y
refinado gentleman que está al mando de las operaciones dentro el
edificio, se convierte en un perverso psicópata; la fría y
calculadora soldado, en una adolescente en plena explosión hormonal;
y así todos. Hasta los mismos rehenes son un manojo de
contradicciones, porque tratar de explicar con el síndrome de
Estocolmo, el que una mujer herida de bala, a punto de morir,
veinticuatro horas después de esto, tenga sexo salvaje con aquel que
le ha disparado es, a cuanto menos, de locos. Sin contar con algunos
detalles que dejan pensando que robar en instituciones de este tipo,
sea una excursión a Disneyland.
De
todas formas, reafirmo el hecho que esta serie me gustó, y te diría
de verla sin duda. lo que sí, no busques la perfección; tómala
así como te digo en el ítulo, vuelve a jugar al poliladron.
La familia ideal americana, o ¿no? Cuando se habla de películas de culto hoy día se suelen meter en el saco títulos a mi entender que han sobrepasado esa etiqueta para entrar de lleno en otras categorías mucho más accesibles y populares. No es el caso de este film del que quiero hablar hoy un poco, pues tanto su estilo visual, narración y lo poco o nada conocida que es entra por pleno derecho a film de culto. Y ojo, que en muchos casos la etiqueta de culto la ponemos en una cinta como si ya eso fuera sinónimo de buena película, y nada que ver muchas veces según creo yo. Pero bueno, dejemos los debates para otra ocasión y vayamos a lo que nos ocupa hoy en este humilde blog. "Parents" es una producción canadiense de presupuesto modesto (3 millones de dólares) que viene dirigida por Bob Balaban. Este director es de esos personajes que merecerían todo un repaso exhaustivo para hablar de todo lo que ha hecho. Personalmente lo conocí en la serie Seinfeld donde tuvo un papel más o menos importante durante 6 episodios. Empezó su carrera en la dirección en series a mediados de los años 80 (Historias del más allá(1984), Cuentos asombrosos(1985). A lo que se suma su faceta como productor y la de actor antes comentada, este film fue su debut como director de una película tras la cámara.
"Parents" nos sitúa en plena década de los años 50 en un barrio residencial de clase media, allí asistimos a la vida cotidiana de una típica familia americana. Ella una ejemplar ama de casa, el un marido recto y trabajador. Como toda buena unión familiar hay hijos, en este caso un niño que sufre de temores ante sus progenitores. Algo le hace sospechar que sus padres ocultan algo, lo que le lleva a un continuo estado de nervios e insomnio. Para dar vida a esta familia tenemos a Mary Beth Hart (Lily Laemle), actriz con una larga carrera a sus espaldas (Interiores(1978), D.A.R.Y.L.(1985), La edad de la inocencia(1993), Aflicción(1997) o Young adult(2011). Como marido está el siempre genial Randy Quaid (Nick Laemle) (El expreso de medianoche(1978), Forajidos de leyenda(1980), Las vacaciones de una chiflada familia americana(1983), La disparatada parada de los monstruos(1993) etc). Haciendo de hijo Bryan Madorsky (Michael Laemle), que no parece tener nada realizado después de esta film.
Su director nos propone un viaje a las entrañas de la familia, donde las apariencias siempre o en muchos casos se antepone por encima de cualquier cosa por el bien común de todos sus miembros de cara al exterior. "Parents" juega en la liga de la comedia negra, pero a la que añade un halo de terror psicológico que le sienta de fábula. Una sencilla pero efectiva puesta en escena, una fotografía ocre que le da ese toque añejo y especial. Quizás le falta algo de más profundidad y alguna trama entremedias que la hagan crecer, pero nada más que reprocharle a esta humilde cinta que bien merece un hueco en nuestra agenda.
Aunque
no sea especialmente significativo, se cumple el decimosexto
aniversario de uno de los discos fundamentales de lo que llevamos de
siglo, el mágico “Cuckooland”,
de un artista singular, Robert
Wyatt, un músico
absolutamente independiente que se ha mantenido desde sus inicios al
margen de las modas que se han ido sucediendo en el voluble mundo de
la música.
Nacido
en Bristol (Gran Bretaña) en 1945, fue miembro fundador y batería
de SoftMachine,
grupo fundamental de la escena de Canterbury,
junto a Kevin Ayers,
DaevidAllen
y Mike Ratledge,
que mezclaba jazz, rock progresivo y psicodelia. Junto a la banda
grabará cuatro discos: The
Soft Machine (1968), Volume
Two (1969), Third
(1970) y Fourth (1971).
Si bien, estando en el seno del grupo, ya se había estrenado en
solitario con “The end of an ear” (1970),
por las típicas desavenencias creativas deja la banda en 1971 y
forma Matching Mole,
con los que grabará dos álbumes, “MatchingMole”
y “Matching Mole's Little
Red Record” (ambos de
1972).
Pero
un hecho desgraciado cambiará de modo radical su vida. Durante una
fiesta en 1973, cae accidentalmente de un tercer piso, fracturándose
la espalda y quedando postrado
de por vida en una silla de ruedas. Esta tragedia y el hecho de no
poder volver a tocar la batería, modificará sustancialmente su
forma de concebir la música, y en 1974 grabará la que es
considerada su obra de referencia, “Rock
Bottom”, producida por Nick
Mason (Pink Floyd), sin
discusión posible uno de los mejores álbumes de la historia.
A
partir de ahí, Wyatt se ha labrado un carrera intermitente pero
ejemplar, creando un mundo hermético y personal, donde no existen
las prisas y en el que confluye la unión aparentemente imposible
entre unas melodías absolutamente ensoñadoras, de una belleza
indescriptible y unas letras comprometidas social y políticamente
(es un conocido simpatizante de izquierdas). Entre sus trabajos
posteriores cabe destacar “Ruth
is stranger than Richard”
(1975), “Old
Rottenhat” (1985), “Dondestan”
(1991) o “Shleep”
(1997).
Robert
llevaba seis años sin publicar material nuevo (a excepción de una
pequeña aportación vocal en el documental “Nómadas del
desierto”) cuando nos sorprendió con un fascinante disco de
generoso minutaje, grabado a caballo entre su hogar en Lincolnshire y
el estudio londinense de Phil
Manzanera.
“Cuckooland”
es un álbum impregnado de una profunda melancolía y está repleto
de melodías fascinantes, hermosas y emotivas, a caballo entre el pop
y el jazz, con la característica y peculiar voz de Wyatt,
entre infantil e ingenua, frágil y quebradiza. Como dato curioso, el
disco se divide en dos partes separadas por un silencio de 30
segundos donde el autor nos invita sarcásticamente a descansar y a
reanudar la reproducción del disco más tarde.
Con
un artwork diseñado, como suele ser habitual, por su mujer, la
poetisa Alfreda Benge
(que también colabora en la composición de algún tema),
representando las distintas anotaciones que Wyatt
efectúa sobre cada tema, el título del disco hace referencia, no a
las aves como pudiese parecer, sino a la desoladora sensación que
provoca el exilio y la ausencia; “Cuckooland”
constituye un radiante, desgarrador y estimulante ejemplo de cómo el
jazz puede incorporarse a otros estilos aparentemente antagónicos,
con resultados deslumbrantes.El
álbum cuenta con invitados del mundillo del jazz como Gilad
Atzmon (saxo y clarinete),
Annie Whitehead
(trombón), Yaron Stavi
(bajo) o Karen Mantler,
cuya labor es fundamental ya que aporta tres composiciones propias,
así como otros músicos más conocidos como David
Gilmour, Brian
Eno, Paul
Weller o Phil
Manzanera.
El
disco se abre con la majestuosa “Just
a bit”, con unos etéreos
teclados, una mágica corneta de Wyatt
a modo de introducción, y un saxo que se desliza progresivamente por
la melodía; en ella, Robert
hace una perspicaz y cínica observación sobre las religiones, su
irracionalidad y las falsedades de la nueva era.
“Old
Europe”, una de las
colaboraciones con su mujer, es un corte con aire nocturno, aroma a
jazz humeante, música de salón y bossanova, donde destaca el sutil
trabajo al clarinete y saxo de Atzmon,
en el que habla sobre calles y clubs en el París de los años
cincuenta, refugio de músicos de jazz americanos, y donde floreció
el romance interracial entre Miles
Davis y la actriz Juliette
Greco, en contraposición con
la represión y el racismo que todavía existía en aquella época en
Estados Unidos. “Torn
Hay’s Fox”, junto a
“Brian the Fox”,
son los únicos temas relativamente anecdóticos de esta magna obra,
con un cierto toque ambient y new age.
“Forest”
es otro delicado y sublime tema a ritmo de vals, con unos tétricos
coros a cargo de Brian Eno
y Alfreda Henge,
y una delicada guitarra bluesy cortesía de David
Gilmour, que nos describe la
persecución que sufrieron los gitanos en una Europa invadida por los
nazis y el campo de exterminio checo donde se les aniquilaba.
“Beware”,
“Mister E”
y “Life is sheep”
son las tres canciones escritas por Karen
Mantler, hija de los músicos
de jazz Carla Bley
y Michael Mantler;
la primera con una letra que trata sobre la paranoia y la
desconfianza, en un tono desasosegante, potenciada por un precioso
solo de trompeta de Wyatt,
mientras que la segunda, también se caracteriza por su atmósfera
perturbadora y angustiosa. En cambio, “Life
is sheep”, con el mismo
estilo tenebroso, nos relata la triste y difícil vida de las ovejas
hacinadas en granjas.
“Cuckoo
Madame” es un sencillo y
sombrío tema donde Robert se ocupa de toda la instrumentación,
utilizando para ello el mismo tipo de teclado barato que usaba en
algunos pasajes de “Rock
Bottom” y habla de modo
encubierto sobre Margaret Thatcher y su oscuro mandato en la
Inglaterra de los años ochenta.
“Raining
in my heart” e “Insensatez”
son dos de las versiones escogidas para el álbum. La primera,
compuesta por la eterna pareja Felice
y Boudleaux Bryant
(éste último autor de la inmortal “Love
hurts”), es interpretada
por Wyatt
en una versión minimalista, con el único acompañamiento del piano,
mientras que el clásico brasileño compuesto por Jobim
y Vinicius
de Moraes es desarrollado en
una delicada y emocional adaptación con aroma jazzy y la alternancia
en las voces con Karen
Mantler.
“Lullaby
for Hamza”, compuesto a
medias con su mujer, es uno de los cortes más escalofriantes del
álbum, con un precioso acordeón que acentúa sobremanera su
dramatismo y que, basado en un artículo del diario The Guardian, nos
relata la historia de una mujer iraquí que dio a luz a su hijo Hamza
en medio de un bombardeo sobre Baghdad, en plena guerra del Golfo,
con una letra absolutamente desgarradora que denuncia el lado oculto
de las guerras, el horror y la incertidumbre que sufrieron los niños
durante la cruenta contienda.
La
segunda mitad del trabajo comienza con “Trickle
down”, una extraña e
intrincada composición jazz, con unas brillantes líneas de bajo y
unos samplers de saxo extraído del tema “Old
Europe”.
“Lullapop”,
un tema de Alfreda Benge,
con un estilo que recuerda al jazz de New Orleans, hace referencia a
la forma de vida de Wyatt,
en el que se retrata a un hombre quejicoso de su edad que intenta
conciliar el sueño y donde Paul
Weller colabora con su
guitarra.
“Foreign
accents” es una curiosa e
insólita canción formado por nombres y expresiones, tanto japonesas
como árabes, con un texto explicativo que denuncia la barbarie que
supuso las bombas atómicas caídas sobre Hiroshima y Nagasaki, que
narra la historia de Mordechai Vanunu, un científico israelí que
confesó a un periódico británico los experimentos nucleares que
acaecieron secretamente en su país y el caso de Mohammad Mossadegh,
primer ministro de Irán, que en 1953 fue derrocado con ayuda de los
servicios secretos británicos y americanos con el propósito de
instaurar una dictadura que duró 25 años.
Cierra
el disco una versión instrumental de “La
Ahada Yalam”, una
composición árabe con reminiscencias étnicas, que vuelve a incidir
de nuevo en el tema de la guerra.No
hace falta resaltar que dicho trabajo recibió las alabanzas
generalizadas de la prensa especializada. Impertérrito a los
halagos, Wyatt ha seguido con su pausado ritmo de lanzamientos, como
si nada fuese con él. En el 2005, se editó un directo de la etapa
en la que presentaba el influyente “Rock
Bottom”
titulado “Theatre
Royal Drury Lane 8th September 1974”
y dos años más tarde publicó el que es su último disco con
material nuevo propio hasta la fecha, el estimable “Comicopera”
(2007).Siguiendo
con ese ritmo esporádico, en 2010 lanza, junto a los músicos Gilad
Atzmon
y Ros
Stephen,
un álbum de versiones de standards de jazz titulado “For
the ghost within’”.
En 2013 se publica un directo de la época de Soft
Machine (’68)
y este año ha participado en un extraño proyecto experimental junto
a un músico japonés bajo el sobrenombre ‘The
Future Eve Featuring Robert
Wyatt – KiTsuNe / Brian The Fox’.Robert
Wyatt es uno de esos escasos
e ilustres veteranos que seguirá generando expectación cada vez que
publique un nuevo trabajo, aunque cada vez se haga más de rogar, ya
que sigue conservando intacto todo su talento y rara es la vez que
nos defrauda.
Con la Palma de oro bajo el brazo a mejor película ha llegado recientemente a las pantallas la nueva cinta del coreano Bong Joon-Ho con el nombre de "Parásitos" (en este caso un acertado título). Recordemos que este hombre se dio a conocer a nivel internacional con "Memories of murder" (2003) y "The Host" (2006), ambas de género diferentes pero unidas por el talento de su ojo. Ahora nos presenta con esta nueva película una historia plagada de grandes momentos que sin duda ocupará un lugar en la memoria de aquel que la vea. El guión nos relata cómo una familia (padre, madre, hijo e hija) de clase baja vive en un área pobre de la ciudad, sobreviven como pueden doblando cajas de cartón para una pizzería, entre otras cosas. Todo cambia cuando un amigo del hijo le propone que lo sustituya como profesor de clases de inglés que imparte a una chica de una familia adinerada. Este es el punto de partida para un argumento que se va tejiendo a modo de tela de araña tupida y precisa.
Como actor reconocible para el gran público está Kang Ho-Song, que ya trabajó con el director en las dos cintas que he nombrado más arriba junto a otras como "El bueno, el malo y el raro" (2008) o en la más popular "Snowpiercer" (2013). Un actor muy solvente que sabe transmitir mucho en pantalla. El resto de actores son también algo conocidos para el público occidental, donde films suyos han llegado sin problemas a este lado del globo.
"Parásitos" podría entrar claramente en el subgénero de Home Invasion entre otros géneros que como suele ser habitual en la filmografía hongkonesa hace una mezcla de muchos estilos en una misma producción. Pero lo que en otras es quizás en algunos casos un problema pues no coge el tono y se dispersa, el director Bong Joon-Ho los separa por tramos. Eso hace que "Parásitos" tenga como segmentos diferenciales dentro de la misma, donde cada momento tiene un tono y estilo que no se pisa, y hace que el conjunto final llegue a buen puerto.
Por lo tanto tenemos una cinta que ofrece un drama en el fondo, pero que en la superficie también expulsa otras latitudes cinematográficas. Entre ellas el humor negro, el thriller, gore y un toque de crítica social. El director se atreve a poner en la palestra la supervivencia del ser humano, poniendo en valor a la familia cueste lo que cueste. Donde la fuerza del grupo siempre es mayor que la lucha individualista. Cierto es que en algún momento parece que el film está a un tris de escapársele de las manos al director, más que nada en un tramo final de locura y excitación visual.
Pocas cintas de este año pueden tal vez igualar tanto su fuerza escénica (eso que estamos ante un espacio reducido) como en su excelente narración de los acontecimientos, manteniendo un buen pulso sin apenas caídas en las que el espectador pueda sentirse obligado a ocuparse de otros menesteres. No es perfecta ni está cerca de ello, pero todo lo bueno que hay en ella es de sobresaliente.
