EL HIJO (2019)

Los superpoderes puestos al servicio del mal.
Sin duda alguna el planteamiento de entrada de este reciente film es atrayente para el que escribe, soy un enamorado del personaje de Superman, mi superhéroe predilecto. Mucho he leído sobre la película, pero más allá de que es el lado contrario a la naturaleza humana de su figura, poco más han dicho. Tampoco es que se base en el mítico personaje de DC, pero está claro que así es. Para empezar diré que "El hijo" (horroroso título el que le han puesto, el original es el nombre del pueblo donde se desarrolla la acción), es un claro ejemplo de traslación de cualquier Elseworlds de la editorial DC, lo que aquí se conoce como Otros mundos. Estos son historias conclusivas donde se saca de su contexto habitual a los personajes, situándolas en ciudades, tiempo incluso cambiando sus identidades y personalidades. Una vez puesto en situación este film nos cuenta como una nave cae una noche en un pueblo llamado Brightburn, allí una pareja que está teniendo problemas para tener hijos adoptan al retoño que venía dentro del objeto caído. Lo que fue una primera niñez placentera del retoño, su adolescencia despierta en el algo maligno que hará del chico un ser a temer. 

La película viene dirigida por David Yarovesky, sin nada relevante en su carrera antes de esta, el nombre que impulsa el proyecto y le da brillo de cara al público es James Gunn. Los actores Elizabeth Banks (Tori Breyer), David Denman (Kyle Breyer) y Jackson A. Dunn (Brandon Breyer) son el trío protagonista que da vida a la familia Breyer. Se habla mucho de que este es un film de serie B, bueno, imagino porque al contener muchos efectos digitales y dado su corto presupuesto se le pone esa etiqueta. No comparto del todo esa visión que se tiene de ella, cierto es que estamos ante un film de poco más de 7 millones de dólares, pero por esa regla de tres cualquier película que no sea de género entra en esa categoría. 

Para que no se note las carencias presupuestarias que se le presupone se encargan los diferentes profesionales que hay detrás de cada departamento técnico, y que hacen aquí una gran labor. Un aspecto importante a tener en cuenta es que estamos bajo mi punto de vista ante una película de terror fantástico, nada de un film de superhéroes mire por donde se mire. Es más, yo diría que se la puede catalogar como un "slasher" en toda regla, pues la narración que nos plantea su director es clara en ese aspecto. "El hijo" no deja de ser un film que parece el preámbulo de lo que está por llegar, todo sucede muy rápido sin que apenas se desarrolle la trama. Eso no es malo a decir verdad, estoy harto de los largos minutajes de lo que nos ofrece hoy día muchas películas estirando sus secuencias sin que sea necesario, haciendo que uno no sepa cómo ponerse delante de la pantalla para combatir el tedio.

Su director David Yarovesky consigue crear una buena atmósfera durante todo el relato, ofrece unas secuencias en algunos momentos bastante desagradables por su inclinación a lo truculento y bestialidad en ciertas ocasiones (que le sienta de fábula) a la película. Cierto que hay momentos o situaciones que no sabe uno a que viene, al que le falta explicación por parte del guión. Como decía solo hace unos párrafos, esto solo parece el comienzo de algo (imagino si funciona en taquilla), por lo que al final tuve la sensación de que el formato serie hubiera sido lo más adecuado para ello, donde tendría más libertad de movimientos y amplitud en contar con más calma lo que parece dejar de hacerlo el film. 

En conclusión, este es un film de puro entretenimiento, que retuerce el mito del superhéroe y lo arrastra por el lado perverso. Nos da una visión desacomplejada tanto en su forma como en su contenido, una historia de chico poseído llegado más allá de las estrellas. Una cuestión de tiempo saber si este aperitivo tendrá continuación en los próximos años, o simplemente se quedará como una película que quiso exponer algo diferente pero cogiendo ideas y semillas implantadas hace tiempo por otras producciones en las que esta película tiene claras referencias.

Puntuación general: 7/10

(fotos:IMDB.video:Sony Pictures España)

LOS NIÑOS EN EL GÉNERO DE TERROR: 16 PELÍCULAS QUE MUESTRAN SU LADO PERVERSO

                              -La mirada de inocencia como fachada-

Si hay un aspecto que el cine de terror ha explotado en gran parte de su historia es la figura de los niños como mal para aterrorizar a las audiencias. Ese mal se ha mostrado en infinidad de formas ya sea a través de posesiones demoníacas, niños psicópatas, otros ya nacen con el mal dentro y los hay que son causas del mal ajeno como vampiros. Por mi parte quiero llevaros por un viaje para recorrer muchas de estas películas que han impactado a los espectadores durante décadas. No es un minucioso análisis para desgranar todas las cintas que hay con este tema, pues eso sería una tarea no ya complicada sino inabarcable, pero si son todas las que están. El mal mostrado en el rostro angelical de un niño es una de las más poderosas armas que el terror cinematográfico puede mostrar. Un niño es una criatura delicada que se muestra en apariencia frágil, que necesita protección y eso sin duda es lo que lo hace mas aterrador. Algunos muestran esas fragilidad como arma arrojadiza para mostrar su poder. Otros sin embargo se valen de su convencimiento de transmitir vulnerabilidad y ser protegidos por los adultos de su entorno para llevar acabo sus siniestros planes. Este será un viaje de ida, pero no os aseguro que tenga uno de vuelta.

“LA MALA SEMILLA” (1956). Este film americano dirigido por Mervyn LeRoy nos muestra la perversidad de una niña que disfruta con el sufrimiento ajeno. Una niña caprichosa, consentida, que solo busca el divertimento ante sus actos sobre los demás. A su alrededor ocurren hechos desagradables incluyendo el asesinato de un compañero de escuela. Su madre poco a poco irá volcando sobre ella las sospechas de todos esos males que acechan en todas sus esquinas. Una joya de película que estuvo nominada a varias categorías en los Oscar, incluyendo a las dos protagonistas.  

"EL PUEBLO DE LOS MALDITOS” (1960). Quizás una de las cintas más siniestras he inquietantes que uno puede ver donde un pueblo es tomado literalmente por los niños del lugar. Esta película inglesa dirigida por Wolf Rilla nos sitúa en un pueblo y como tras unos desmayos las mujeres al recobrar la conciencia se dan cuenta que están embarazadas. Los niños nacen todos albinos y con unos ojos azules intensos. Todos ellos muestran que son muy inteligentes y empiezan a manejar a su antojo a los progenitores. Una vez que van creciendo empiezan a desarrollar personalidades perversas y siniestras. Esta película entra en la categoría de serie b pero con una bella factura técnica y de puesta en escena. Aquí el mal no se sabe de donde viene, entrando en la especulación de que pueda ser algo sobrenatural el causante de los fenómenos que están teniendo lugar en el antes apacible pueblo.   

"EL OTRO” (1972). Esta película americana dirigida en 1972 por Robert Mulligan es de las más conocidas dentro del tema que nos ocupa en esta ocasión. Aquí la historia nos cuenta como un niño llamado Niles es el lado amable de su hermano gemelo de nombre Holland. Este último es más despierto pero también posee un lado salvaje y perverso que cala en su hermano. Haciendo un símil estamos ante algo parecido al Dr Jeckyll y Mr Hyde donde se expone las dos caras para resolver una misma situación. Un film de terror psicológico ambientado en la década de los años 30 con una cuidada fotografía que se suma al buen hacer de la mano de su director.

"EL EXORCISTA” (1973). Llegamos a los platos fuertes para el que escribe donde encontramos una de las dos obras clásicas más conocidas de la historia con niños al frente. Si hay una niña famosa en el cine de terror (con permiso de Caroline) es Linda Blair y su personaje de Regan. Aquí el mal se presenta de forma demoníaca como elemento exterior aunque sin saber en realidad su procedencia. El bien y el mal, Dios y el Diablo, dos caras que han parido infinidad de cintas en la gran y pequeña pantalla. Regan una niña dulce y cariñosa es poseída por el diablo convirtiéndola en un ser deslenguaz, amenazante y blasfemo al que el sacerdote Merrin deberá devolver al mismísimo infierno (o por lo menos al sitio de partida). Una cinta que sigue provocando auténtico pavor al verla demostrando que si el género de terror se realiza con brillantez da igual el tiempo que pase por ella. Sin duda una de las más grandes obras del género de todos los tiempos al que los años no han perjudicado.

"EL ROSTRO DE LA MUERTE” (Alice sweet Alice) (1976). Esta cinta de menos nombre y por lo tanto menos conocida para el gran público en general es otra de esas pequeñas joyas sepultadas por producciones más populares pero que no debemos dejar pasar si nos gusta esta temática. Producción americana de 1976 nos cuenta como una niña llamada Alice al poco de morir su hermana durante la celebración de su primera comunión verá como las sospechas tras esa trágica muerte recaen sobre ella. Alice y su mala conducta es lo que hace que el blanco de las miradas se posen en su persona. Aquí tenemos de niña a Brooke Shields antes de que se perdiera en una isla con un lago azul de por medio. La cinta bebe del slasher y de un inquietante terror psicológico que se mezclan bajo la firma de su director Alfred Sole.  

"QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO” (1976). Para el que escribe esta es la mejor cinta de terror español de todos los tiempos. Incluso voy más allá y digo que para mi es de las veinte mejores y más escalofriantes del género a nivel mundial. Narciso Ibáñez Serrador (Chicho) realizó con este film una proeza de unas dimensiones acojonantes, un trabajo donde la angustia que traslada al espectador golpea y golpea hasta que nos deja k.o. Una pareja y su intento de conseguir unas vacaciones de relax son abortadas por el bullicio del pueblo y sus fiestas. Ambos se trasladan a una isla cercana y sus vidas pronto serán puestas en peligro por una comunidad donde los niños han tomado el poder. Una puesta en escena tan simple como efectiva hacen de esta película que la soledad de ese pequeño lugar retirado sea a su vez una tumba para el que entra allí buscando paz y tranquilidad.

"LA PROFECÍA” (1976). Si tuviera que quedarme con la mejor película de terror de todos los tiempos sin duda seria con la que tiene como protagonista al pequeño Damien como personaje. Dirigida por Richard Donner aquí tenemos al mal impuesto desde el nacimiento. El diablo nace marcado con el 666 en su cabeza a modo de tara, un angelical niño en apariencia siembra a su paso todo tipo de males y muertes con sus penetrantes ojos claros como el cielo. Damien es un bebe que viene a sustituir al nacido muerto sin que su madre adoptiva sepa la verdad. Un cambio que el padre realiza metiendo al mismísimo demonio en el seno de su familia. Una película magistral llena de inquietantes momentos donde la inocencia de un pequeño niño y un mal que no ha pedido es la vida que le ha tocado vivir. Damien seguiría creciendo y sembrando el caos en las dos secuelas de la que consta esta historia.

"HALLOWEEN" (1978). En el clásico de John Carpenter tenemos al psicópata Michael Myers cometiendo el brutal asesinato de sus padres. Se nos presenta un caso donde el niño es empujado aparentemente por una fuerza interior que nubla su capacidad de distinguir el bien del mal. Ese impulso criminal aparece de repente sin saber realmente si el niño sufre algún tipo de trauma o sencillamente se le ha manifestado sin previo aviso. Una de esas cintas claves en el slasher (no la primera, pero si la más respetada y que empujó a todo un enjambre de productos de todo tipo con asesino sanguinario por bandera). Cuya banda sonora minimalista y monocorde también hizo historia. 

"CUMPLEAÑOS SANGRIENTO” (1981). Esta producción americana nos cuenta el nacimiento de tres niños que tiene lugar durante un eclipse solar, este también a provocado el bloqueo de Saturno. Diez años más tarde estas criaturas se han convertido en unos psicópatas asesinos. Este pequeño film juega con las fuerzas ocultas de unos efectos externos que son los que provocan esas personalidades disfuncionales, arrogantes y criminales. Los niños son puestos como victimas ante lo desconocido, siendo ellos totalmente ajenos a que provoca semejante conducta. Una película muy modesta pero cargada de fuerza y escenas contundentes que merece tener un pequeño hueco entre las historias con pequeños niños como protagonistas.

"LOS CHICOS DEL MAÍZ” (1984). Clásico de los años 80 que nos presenta el mal en forma de comuna formada por niños. Una historia que puede tener varias lecturas como la religión y su fanatismo y la adoración de un ser real o irreal. También la poderosa unión que hace del colectivo un cultivo (valga el chiste) para propagar el miedo y la sumisión por la fuerza. Una película que es irregular para el que escribe pero que tiene una gran fuerza visual con una estupenda fotografía. Basada en una novela de Stephen King para más gloria de su autor.

"CEMENTERIO VIVIENTE” (1989). Los conjuros, profecías y hechizos tienen también su presencia en el despertar del mal. Esta adaptación de un libro de Stephen King es una de las más recordadas. Un padre tras la pérdida de su hijo lo entierra en un lugar sagrado donde una tribu India enterraban a sus difuntos. Allí al poco tiempo los cuerpos son devueltos a la vida pero bajo un influjo maligno y demoníaco. Nunca es bueno remover el pasado es lo que se suele decir, pero si encima viene con sorpresa en forma de asesino psicópata ya sin duda es la perdición. El mal aquí es impulsado por fuerzas externas adosadas en una transformación que se puede catalogar de zombi.

"EL BUEN HIJO” (1993). Ahora toca el turno a esta cinta donde el niño se presenta en un envoltorio angelical y de pelo rubio. Las apariencias engañan y hay veces que el mal parece un mullido peluche que nos puede dar confort. Así se presenta esta historia que esconde a Macaulay Culkin en un papel de psicópata a tan tierna edad. Sus padres no ven lo retorcida de su mente y perversos juegos que somete a escondidas. Solo la llegada de su primo (Elijah Wood) que se traslada a vivir con ellos será el que poco a poco vaya descubriendo la perversa realidad que esconde tras la máscara. Un film que nos lleva por los lazos del terror primigenio que se despierta a edad temprana.  

"ENTREVISTA CON EL VAMPIRO” (1994). Una cara que desprende dulzura cubierta por una pálida piel también puede esconder al maligno en su interior. Así se nos presentaba la joven Claudia interpretada por la actriz Kirsten Dunst en el film dirigido por Neil Jordan. Unos delicados colmillos eran su arma de destrucción masiva puesto al servicio de su apetito por la sangre. El niño expuesto al mal impostado por siglos y siglos de condena ajena a su voluntad. El vampiro en la más tierna infancia es un elemento de drama que viene acompañado de su aparente fragilidad y vulnerabilidad escondiendo a un ser sediento de hemoglobina.  

"LA MALDICIÓN” (2002). Japón es sin duda una de las grandes cunas del terror de todos los tiempos. Desde leyendas pasando por fantasmas y espíritus de toda clase. Los niños son una parte importante de ellas siempre retratados visualmente impactantes y llenos de misterio. En este film la aparición en una casa de un niño es presagio de males. Las apariciones como fuente de terror es una de las mejores bazas que una película de género puede tener. El saber que cualquier rincón puede ser el próximo sitio de donde algo del más allá hará acto de presencia. La luz tenue de tintes azulados juega en esta película otro gran acierto a sumar. Una historia de terror donde el niño como elemento fantasmal expone a que aflore el terror en el espectador.

"DÉJAME ENTRAR” (2008). Del mismo modo desde Suecia llegaba esta obra que se ha convertido en todo un clásico moderno a día de hoy. Nuevamente el vampirismo es puesto en la casilla de salida bajo un prisma esta vez amargo. El mal se viste con un traje dramático bajo una gruesa capa de nieve para contarnos la triste vida que lleva una niña en un suburbio de Estocolmo. La soledad es aquí el plato que se nos sirve frío y ensangrentado para vivir la realidad de una niña que traba amistad con otro niño. Así sentirá por una vez lo que la vida puede ofrecerle aparte de su ansia viva por tener que matar como sustento. Una apuesta muy lograda con dos protagonistas uno a cada lado de la vida.

"LA HUÉRFANA” (2009). Otra vez como sucedía en “La Profecía” el mal llega a casa en forma de adopción, en este caso bajo la aprobación de ambos cónyuges. Trae rulos y una cara algo pícara con una bonita cinta alrededor del cuello. Esther así se llama la niña esconde algo que va despertando sospechas en su nueva madre. El terror juega en esta ocasión a dos bandas que el director (el español Jaume Collet-Serra) nos deja intuir para confundir al espectador. Esther encarna al mal desde su psicópata personalidad o es en realidad la ¿extensión del diablo en la tierra?. Son las dudas que están impresas en esta película de toque psicológico donde el terror siempre está al acecho.

Y con este film llego al final de este pequeño recorrido donde el cine de terror y sus pequeños protagonistas han sido las estrellas. Muchas se quedan por el camino, un camino que a lo largo de la historia del cine ha dejado muchas de sus mejores obras. Algunas incluso han traspasado la barrera del género de terror para hacerse un hueco entre las grandes películas de la historia. El niño, el joven adolescente ya sea por voluntad propia o ajena a través del maligno siempre tendrá un espacio entre la audiencia. El futuro seguro que nos seguirá trayendo nuevas visiones y puntos de vista de directores que querrán contar sus historias proyectadas bajo la capa externa y atractiva que siempre ofrece la vulnerabilidad del joven niño. Porque el terror parece casi siempre más terrorífico bajo la mirada dulce con que unos ojos tiernos nos mira desde el otro lado de la pantalla. Un saludo desde mi rincón favorito.

(Artículo escrito por mi para Mentero.es)

(fotos:IMDB)

LA CASA DE PAPEL (2017- )

Volvamos a jugar al poliladron

Antes que comiences a leer esta reseña, por así llamarla, quiero que sepas que se me pudo haber ‘escapado’ algún que otro spoiler.

Era el año 2017 cuando vi los avances de una nueva serie televisiva española que, de ahí a poco sería transmitida por la plataforma Netflix. Esta serie, creada por Álex Pina, estaba filmada y producida al mejor estilo americano que, como todos sabemos, son los reyes indiscutidos en esto. Así fue que inicié el primer capítulo, muy curiosa y con mucho entusiasmo. Allí me encontré con actores que, en lo personal, nunca había visto... pero vayamos por partes.

Todo inicia con un simple hombre. uno que, según mi opinión, cualquiera de nosotros podríamos conocer o haber cruzado en nuestra vida. A este personaje lo llamaremos como “el Profesor”, y es interpretado por un muy creíble Álvaro Morte. El verdadero nombre del Profesor es Sergio Marquina y, para describirlo en pocas palabras, es un muy inteligente jugador de ajedrez. Es un hábil estratega, capaz de predecir con muchísima anticipación cada movimiento del adversario; y será el encargado de reunir al grupo que realizará el atraco más grande de la historia de España... asaltarán la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre. A la primera que reclutará es a Úrsula Corberó en la piel de Silene Oliveira. Una ladrona al mejor estilo Nikita; ágil, fría, calculadora, que no se confía de nadie. Ella será también la voz en off de toda la serie, quien irá relatando pensamientos y sentimientos de cada uno de los protagonistas. Es por el modo en que ella conocerá al Profesor, que no meterá en discusión ni a él ni a sus reglas. Las dos principales de estas reglas del Profesor serán: ninguno debía saber el verdadero nombre de sus integrantes, y no podían relacionarse entre ellos. Es por éstas que a Silene la conoceremos como “Tokio”. Luego aparecerán Paco Tous y Jaime Lorente, en los roles de padre e hijo respectivamente. Ambos son ladrones, pero el padre, “Moscú”, será imprescindible para el plan, ya que es un ex-minero; y, aunque su requisito fue que el hijo, “Denver”, hiciera parte del grupo, al final tal vez se arrepienta de esta decisión. 

La otra mujer del grupo será nada más y nada menos que Alba Flores (me bastó verla y oírla para saber que era la única hija del recordado Antonio Flores, por ende, venía de una estirpe de artistas). Ella interpretará a Ágata Jiménez, o mejor dicho “Nairobi”, una experta falsaria que, como se imaginarán, será también una pieza clave del grupo. De todos modos, no nos olvidemos que estamos en la era de la tecnología; y, para lo que proyectaba el Profesor, necesitaba sí o sí un hacker. Para este papel se recurrió a un jovencísimo Miguel Herrán, el cual mereció el premio Goya como “Actor revelación” por su trabajo como Aníbal Cortés, alias “Río”. Si bien la parte de ‘inteligencia’ estaba cubierta, también se necesitaría la ‘fuerza’, y para ello se unieron al grupo dos soldados serbios, veteranos de la guerra de Yugoslavia. Dimitri Mostovói, “Oslo” y Yashin Dasayév, “Helsinki”; interpretados por Roberto García Ruiz y Darko Peric respectivamente (este último es realmente de nacionalidad serbia). Obviamente el atraco que estaban por realizar no era sencillo; el Profesor, cerebro del grupo, estaría fuera del edificio, por lo que tendría que dejar el comando de toda la operación en las manos de alguien de su entera confianza: su hermano. Pedro Alonso será Andrés de Fonollosa, “Berlín”; y que, para mi gusto, ha sido una de las mejores interpretaciones de la serie, un personaje bastante ambiguo, que se amaba y odiaba a partes iguales.

Así se formó el grupo de ‘malos’, que tan malos no eran después de todo, ya que en ningún momento han querido dañar a alguien. Se diría que son unos ladrones al mejor estilo Robin Hood si se quiere; o no, porque en realidad ellos no robarían nada sino que ‘fabricarían’ su propio botín. Y en esto se enfrentarán a unos agentes de policía también bastante particulares El atraco inicia con una toma de rehenes, por lo cual es imperativo llamar a alguien que sea capaz de negociar, que sepa mucho de psicología. Y es ahí que llega Itziar Ituño en la piel de la inspectora Raquel Murillo. Ésta trabaja junto a su fiel compañero, el vice inspector Ángel Rubio, interpretado por Fernando Soto; y ambos se enfentrarán a un muy autoritario Juan Fernández en el papel del coronel Alfonso Pietro. Y es aquí, en la interacción de todos estos personajes tan heterogéneos, donde encuentro los primeros ‘problemas’.

El primero es que todos los integrantes de la banda de ladrones -quien más, quien menos-, parecen tener una personalidad bordeline. El mismo Profesor pasa de ser un excelente estratega, a un hombre tan enamorado que se le pasa por alto las transgresiones a sus propias reglas, para ir detrás de su amada. Y ésta no es otra que la inspectora encargada de apresarlo; que siendo experta en psicología, no es capaz de resolver su situación personal: está aún atada a un ex-marido violento y manipulador, lo cual hace mella no sólo en su trabajo sino en su vida actual, creando un vacío afectivo que parece rellenar con el primero de turno. Ni siquiera los que se presentan como los ‘criminales profesionales’ se salvan, ya que de un momento a otro pasan a ser los novatos más improvisados; el culto y refinado gentleman que está al mando de las operaciones dentro el edificio, se convierte en un perverso psicópata; la fría y calculadora soldado, en una adolescente en plena explosión hormonal; y así todos. Hasta los mismos rehenes son un manojo de contradicciones, porque tratar de explicar con el síndrome de Estocolmo, el que una mujer herida de bala, a punto de morir, veinticuatro horas después de esto, tenga sexo salvaje con aquel que le ha disparado es, a cuanto menos, de locos. Sin contar con algunos detalles que dejan pensando que robar en instituciones de este tipo, sea una excursión a Disneyland. 

De todas formas, reafirmo el hecho que esta serie me gustó, y te diría de verla sin duda. lo que sí, no busques la perfección; tómala así como te digo en el ítulo, vuelve a jugar al poliladron.

Artículo escrito por Alma Baires

(fotos:IMDB)

EL COLOSO DE NUEVA YORK (1958)

¿Puede el hombre crear lo que quiera, sin pagar por ello?

Si hay una década para mi dentro de la ciencia ficción que está por encima del resto esa es sin duda la de los años 50. Y que la alargaría casi hasta la mitad de los 60. En esa década que vió nacer a Elvis nacieron algunas de las más grandes películas. Con temática diversas, tanto la paranoia de las guerras nucleares, la proliferación de film con bichos gigantes, extraterrestres en busca de colonizarnos y otros que venían a advertirnos. Hoy rescato una película tal vez poco recordada y más aún reconocida como entre las mejores. "El coloso de Nueva York" es una cinta dirigida por Eugéne Leurié. Este director francés versó las artes de director artístico, diseñador de arte y claro está director de cine. A parte de actor y guionista, fue también colaborador de Jean Renoir. Venía de realizar varios años antes una de las más populares cintas del género, como fue El monstruo de los tiempos remotos (1953). La cinta la produce William Alland, cerebro que está detrás de clásicos como This island earth (1955), La mujer y el monstruo (Creature from the black lagoon 1954) o la propia El monstruo de los tiempos remotos (1953). Entrando ya en la película que nos ocupa, un joven científico que acaba de recibir el premio nobel es atropellado falleciendo. Su padre un famoso neurocirujano se niega a ver como ese cerebro privilegiado de su hijo es sepultado para siempre, por lo que se propone crear un cuerpo para depositarlo y que siga haciendo el bien a la humanidad.

Estamos claramente con una variante de Frankenstein (1931), incluyendo al mad doctor en la ecuación, aunque esta vez en pos de las buenas intenciones y no privar al mundo del genio de su hijo. Lo que hace esta película más que interesante no es solo el hecho de que en general es una película que merece ser vista, sino lo oscura que es para el género que toca. Los actores que tenemos aquí son John Baragrey, Mala Powers, Otto Kruger, Robert Hutton, Ross Martin y el niño Charles Herbert (muy famoso en los 50 por salir en La dimensión desconocida, La mosca (1958) o 13 Fantasmas (1960). Y que todo sea dicho cae bastante mal allá donde sale, o tal vez es cosa mía. 

La relación que sostiene padre he hijo en la película es bastante problemática, más cuando viendo su nuevo yo, el monstruo se debate entre si sería mejor no haberle devuelto a la vida. La narración de los acontecimientos fluye bastante bien, con un ritmo adecuado. La carga emocional del personaje metálico es el punto donde gira la trama, en una mirada casi existencialista de lo bueno y lo malo. Como muchas de estas películas casi siempre termina con la moraleja que suelta como frase final, que cada cual tiene que tomar según sus ideas, aunque hay que ponerse en el contexto del año y la sociedad de la época. El diseño del monstruo mecánico es algo tosco (lo que no han disimulado es su cierto toque con Frankenstein). Por lo general "El coloso de Nueva York" es una propuesta muy interesante, que mantiene el interés  en todo momento, los actores cumplen bastante bien en sus papeles por encima de estas clases de producciones. Y poco más que decir, si os gusta el género de la ciencia ficción de la época, creo que la encontraréis casi a la altura de algunas con más renombre.

Puntuación general: 7/10

PARÁSITOS (2019)

La unión familiar como sustento alimenticio 

Con la Palma de oro bajo el brazo a mejor película ha llegado recientemente a las pantallas la nueva cinta del coreano Bong Joon-Ho con el nombre de "Parásitos" (en este caso un acertado título). Recordemos que este hombre se dio a conocer a nivel internacional con  "Memories of murder" (2003) y "The Host" (2006), ambas de género diferentes pero unidas por el talento de su ojo. Ahora nos presenta con esta nueva película una historia plagada de grandes momentos que sin duda ocupará un lugar en la memoria de aquel que la vea. El guión nos relata cómo una familia (padre, madre, hijo e hija) de clase baja vive en un área pobre de la ciudad, sobreviven como pueden doblando cajas de cartón para una pizzería, entre otras cosas. Todo cambia cuando un amigo del hijo le propone que lo sustituya como profesor de clases de inglés que imparte a una chica de una familia adinerada. Este es el punto de partida para un argumento que se va tejiendo a modo de tela de araña tupida y precisa. 

Como actor reconocible para el gran público está Kang Ho-Song, que ya trabajó con el director en las dos cintas que he nombrado más arriba junto a otras como "El bueno, el malo y el raro" (2008) o en la más popular "Snowpiercer" (2013). Un actor muy solvente que sabe transmitir mucho en pantalla. El resto de actores son también algo conocidos para el público occidental, donde films suyos han llegado sin problemas a este lado del globo. 

"Parásitos" podría entrar claramente en el subgénero de Home Invasion entre otros géneros que como suele ser habitual en la filmografía hongkonesa hace una mezcla de muchos estilos en una misma producción. Pero lo que en otras es quizás en algunos casos un problema pues no coge el tono y se dispersa, el director Bong Joon-Ho los separa por tramos. Eso hace que "Parásitos" tenga como segmentos diferenciales dentro de la misma, donde cada momento tiene un tono y estilo que no se pisa, y hace que el conjunto final llegue a buen puerto. 

Por lo tanto tenemos una cinta que ofrece un drama en el fondo, pero que en la superficie también expulsa otras latitudes cinematográficas. Entre ellas el humor negro, el thriller, gore y un toque de crítica social. El director se atreve a poner en la palestra la supervivencia del ser humano, poniendo en valor a la familia cueste lo que cueste. Donde la fuerza del grupo siempre es mayor que la lucha individualista. Cierto es que en algún momento parece que el film está a un tris de escapársele de las manos al director, más que nada en un tramo final de locura y excitación visual.

Pocas cintas de este año pueden tal vez igualar tanto su fuerza escénica (eso que estamos ante un espacio reducido) como en su excelente narración de los acontecimientos, manteniendo un buen pulso sin apenas caídas en las que el espectador pueda sentirse obligado a ocuparse de otros menesteres. No es perfecta ni está cerca de ello, pero todo lo bueno que hay en ella es de sobresaliente.

Puntuación general: 8.5/10

(fotos:facebook Parasite oficial, IMDB.video:VaDeTrailers)

GREEN BOOK (2018)

Cuando la meta no conoce de razas, el viaje es más dulce.

Podría empezar esta crítica de muchas maneras, nombrando sus nominaciones y premios ya recibidos a lo largo del globo o alabando las interpretaciones de sus dos protagonistas. Pero si por algo quisiera empezar a destacarla en un primer momento sobre el resto de virtudes que más me han gustado de esta película es sin duda su compleja simplicidad y el echo de estando en los tiempos que vivimos no hacer de ella una manipulación hacia el espectador del racismo. Se aborda, claro que si, pero no desde ese punto de vista tan radical de hoy día. Porque hoy todo el mundo parece tener los nervios a flor de piel, y no hablo solamente del aspecto racial, lo digo en general. Las nuevas tecnologías y la redes sociales por ende han puesto patas arriba una convivencia donde el mundo no se tomaba cualquier comentario como un ataque personal. Pero eso sería otro debate. Hoy me apetece hablar sobre esta reciente película que bajo el nombre de GREEN BOOK se acaba de estrenar en nuestro país. Una obra de esas que no hacen mucho ruido, pero que va dejando poso en el recuerdo colectivo con el paso del tiempo. Muchas son sus virtudes que destacan en ella, pero también tiene sus contras. Al igual que los protagonistas y su viaje por carretera espero que me acompañéis en la travesía de esta crítica bajo claro está mi humilde punto de vista. Producción y actores:  Empezamos por el principio como debe ser, y para ello lo hacemos poniendo en situación el título del film. Green Book es el nombre que recibía una guía dirigida a las personas de color y su situación de segregación en los pueblos de la América del Sur en tiempos pasados (o eso quiere pensar). La guía consistía en todos aquellos lugares, destinos, bares, restaurantes, hoteles y demás sitios públicos donde se les permitía la entrada. Desde luego esto habla de hasta que punto la sociedad daba asco en estos aspectos. Puestos en situación con el nombre de la película ya arrancamos con la historia y en que se basa. Pues parte de una historia real que se produjo en 1962 entre un hombre blanco y otro negro. El artífice que está tras la cámara para contar estos hechos es el director Peter Farrelly. Para quién no os suene este nombre este director es el de películas de humor de brocha gorda que nos dejó obras como Dos tontos muy tontos (1994), Algo pasa con Mary (1998), Yo, yo mismo e Irene (2000), Amor ciego (2001), Pegado a ti (2003) o la continuación Dos tontos todavía más tontos (2014). Como vemos películas de risa fácil, chistes escatológicos y poco intelectuales (de todo debe de haber por supuesto). En ellas contaba con la ayuda de su hermano en la dirección (Bobby Farrelly). En esta ocasión vuela por libre, y se mete en un terreno nuevo para el. Ofreciendo sin duda un trabajo más serio (con su humor) que también lo hay pero de otra manera. Green Book se articula sobre un guión que escribió Nick Vallelonga. Este es el hijo de Tony Vallelonga (el cual interpreta Viggo Mortensen).

La película cuenta con la interpretación en los dos papeles principales de los actores Mahershala Ali en la piel del pianista de color Dr. Don Shirley por un lado. Y por otro al anteriormente comentado Viggo Mortensen. El actor Mahershala Ali nacido en California es ahora mismo una de las caras que más rápidamente están subiendo en popularidad en el panorama de la interpretación. En los últimos tiempos lo hemos podido ver tanto en cine como en televisión, Treme (2011-2012), House of cards (2013-2016), Los juegos del hambre (2014 y 2015), Los hombres de Jones (2016), Figuras ocultas (2016) y en la reciente tercera temporada de True Detective (2019). Por su parte Viggo Mortensen no necesita presentación creo yo. Un hombre ya con una larga y sólida carrera a sus espaldas, y que personalmente creo que cada vez está mejor como actor. El elenco de actores con más peso en el film y que conforman el grueso de la producción son Linda Cardellini, Don Stark, Sebastian Maniscalco y Maggie Nixon. Todos ellos dan vida al universo que gira entorno a nuestros dos protagonistas. Para las localizaciones del film y crear su parte importante del desarrollo de la historia, estas fueron tomadas en Nueva Orleans, Louisiana y Nueva York. Así como para rodar las escenas donde asistimos a su interpretación al piano podemos ver lugares míticos de la música como el Carnegie Hall o McAlister Auditorium. De que va: Tony Lip (Viggo Mortensen) se gana la vida como relaciones públicas/matón en un club nocturno llamado Copacabana. Este hombre italoamericano vive con su familia en el Bronx. El es un tipo sereno que solo saca sus rudas maneras si la ocasión no se presta al diálogo. Aunque no lo deja muy claro, sus formas lo delatan como una persona racista. Goza de buena reputación en el barrio pese a sus en ocasiones expeditivos métodos. 

Pero un día una oportunidad de trabajo le llama a su puerta (mientras el Copacabana se toma unas semanas de asueto para una remodelación). El trabajo consiste en ir de gira haciendo de chófer y si la ocasión surge también de guardaespaldas de un pianista de música clásica de color llamado Don Shirley (Mahershala Ali). Un tipo estirado que vive en una casa rodeado de objetos elegantes y majestuosos (el recibe a Tony Lip sentado en un ostentoso sillón). Pero al fin y al cabo eso no es sino su cárcel particular metida en una burbuja que lo aísla de los problemas raciales del exterior de su país. Tras exponer cada uno sus condiciones para el trabajo la aceptación de Tony Lip al final los embarcará en una viaje que harán de esas dos almas algo más que una simple colaboración de trabajo. Don Shirley le hace entrega de un libro verde que es como una guía de supervivencia para el buen funcionamiento de su salud en los estados del sur del país.  Al que se debe ceñir Tony Lip para que ambos salgan indemnes de su periplo conjunto mientras van de ciudad en ciudad.

En conclusión: Estamos pues ante un film que viaja en coche para hacer de ella una road movie entre el drama por los conflictos raciales, amores ausentes y situaciones que deben resolver sobre la marcha mientras avanzan por los estados del sur de América. Su director Peter Farrelly consigue contar esta historia verídica de una elegante forma dotándola de un humor sutil que desahoga el drama para no hacerlo protagonista indiscutible de la trama. En un principio podríamos estar asistiendo a una nueva puesta a punto de aquella conocida película donde Morgan Freeman hacía de chófer de Jessica Tandy en Paseando a Miss Daisy (1988). Más que nada por ese símil en la relación de chófer y jefe que solo apunta como parentesco visual. Lo primero que hace que esta historia se engrandezca y haga de este film algo más que una correcta película es sin duda la relación de los dos protagonistas. Tanto Viggo Mortensen como Mahershala Ali están soberbios en sus interpretaciones dando la réplica cuando uno u otro se ven en la tesitura de abrir la boca 

El aire despreocupado que ofrece en pantalla Viggo encarnando a ese hombre de familia que pese a estar cerca y en contacto con tipos de carácter dudoso por la forma de ganarse la vida se mantiene recto sin caer en vicios y formas más fáciles de ganar dinero es sensacional. Por otro lado Mahershala en ese papel de músico refinado que padece de soberbia y superioridad sobre los demás con ese aire aristocrático simplemente lo borda. Ambos hacen que el guión escrito por Farrelly sea mejor de lo que parece (que no deja de ser solo un buen guión) el cual escribieron a seis manos entre Brian Hayes Currie, Nick Vallelonga y Peter Farrelly. La complicidad de los dos actores roza la excelencia con cada minuto que pasa y que a medida que se van conociendo sus escudos personales se irán debilitando creando un vínculo de amistad y respeto que marca a los dos personajes a los que interpretan. Su director construye una historia que puede pecar de algo blanda sobre un tema peliagudo y quizás ahí esté unos de sus puntos flacos. El resto del reparto (quitando la interpretación de su mujer que da vida la actriz anteriormente mencionada Linda Cardellini) está muy poco perfilado. Y eso puede que no de más fondo a una historia que tal vez merecía algo mas de profundidad.

Peter Farrelly consigue a su vez que las más de dos horas que dura Green Book no se resienta en ningún momento (más allá de algún instante de reflexión de sus protagonistas) dotando al metraje el ritmo adecuado para que el espectador permanezca atento a la pantalla. Lejos queda de todas formas de ser una película grandiosa que vaya a perdurar en el tiempo como obra cumbre de la segunda década del siglo XXI, pero su mezcla de drama agridulce salpicada con esas gotitas de humor bien esparcidas hacen de este producto una gozosa muestra de que en Hollywood se puede hacer films para un público amplio más allá de producciones basadas en fuegos de artificio para comer palomitas en la butaca del cine como si no hubiera un mañana. Sus buenas maneras han sido recompensadas entre premios y nominaciones en las últimas semanas. Así en los Globos de Oro se ha llevado los premios a Mejor comedia, guión y actor de reparto para (Mahershala Ali). En el festival de Toronto el premio del público a caído también de su lado. El sindicato de actores también la ha recompensado a mejor film. Y así podría seguir durante algunos párrafos más y eso que aún está por venir los premios más famosos de la industria donde opta a cinco categorías (Mejor película, actor principal (Viggo Mortensen), actor secundario (Mahershala Ali), mejor guión original y al mejor montaje). Pues nada más amiguitos, un saludo desde mi rincón favorito.

Puntuación general: 7.5/10

Artículo escrito para Mentero.es

(fotos:IMDB.video:eOne Spain)

MONSTROUS (2022, EEUU)

 

Dentro de unos pocos días podremos ver la nueva película protagonizada por Christina Ricci. Monstrous se titula esta nueva historia de terror en la que se ha visto involucrada. En esta ocasión su papel consiste en una madre que huye con su hijo de siete años. Intentan huir de su exmarido, acabando en una nueva casa que parece apacible en un primer momento. Poco a poco verán como ese nuevo hogar parece albergar algo extraño entre sus paredes. Dirigida por Chris Sivertson (aquel que dirigió hace ya años el film All Cheerleaders Die (2013), que dicho sea de paso no era gran cosa). El film se estrena este dieciocho de noviembre. 

Una madre hace lo que sea por su hijo

Monstrous es una película que no espera ser nada del otro mundo, y eso es precisamente lo que es, pero vamos por partes. La película nos cuenta como una mujer que ha tenido un matrimonio muy tumultuoso, decide poner solución al asunto. Junto a su hijo de siete años emprenderá una nueva vida en un nuevo hogar, tendrá nuevo trabajo, nuevos vecinos y la tranquilidad que buscaba. Pronto esa nueva vida se verá alterada por algo que parece habitar la nueva casa. Para hacer de hijo, la película cuenta con el joven actor Santino Barnard (Navidad en 8 bits (2021). La película se adentra en el thriller, drama y terror, pues juega en su argumento con diferentes géneros. Todo ambientado en la floreciente década de los años cincuenta.

Un reparto que hace creíble sus papeles

Estamos ante un film que deja claro a lo que juega desde el principio, aquí no hay nada que uno no haya visto ya mil veces. Pero hay dos formas de contar la historia que nos propone su director, bien o mal. Por una parte el papel de Christina Ricci como madre a mi me choca, tal vez porque aún mis ojos y su apariencia, me sigue pareciendo aquella joven actriz que hacía de rebelde en muchas de sus películas. Sinceramente yo habría elegido otra actriz con rasgos más adultos para el papel. Partiendo de esa base (quizás errónea por mi parte) lo cierto es que se desenvuelve bien, consigue hacer creíble su interpretación. Al igual que su hijo, quién demuestra su compenetración con ella, y ambos se ven sueltos y cómodos en sus roles. Monstrous ofrece en este sentido buenas actuaciones, que incluyen a un reparto de buenos actores en los papeles secundarios.

 Christina Ricci y su amor por el género

Casi desde su debut en el cine, Christina Ricci a demostrado sobradamente su apego al género fantástico y de terror. Lejos quedan ya los tiempos de la Familia Adams (1991 y 1993), Casper (1995), Sleepy Hollow (1999) o La bendición (2000). Pero es que desde entonces, a seguido cultivando muchas más participaciones en este sentido, además de otros estilos cinematográficos. Entre otros films alejados del terror y derivados, la hemos visto en comedias de Woody Allen (Todo lo demás, 2003), y en otras producciones más crudas como en la inolvidables Monster (2003). Pero es en el terror y sus caminos adyacentes donde parece sentirse más cómoda. Así han llegado otras obras de mayor o menos calidad, como pueden ser La maldición (2005), Lizzy Borden (telefilm, 2014), o esta de la que hablo hoy.

 Conclusión de Monstrous

Volviendo a Monstrous, la película intenta ofrecer una cuidada puesta a punto, consiguiendo unos buenos resultados en general. La ambientación como la fotografía se unen perfectamente, Volviendo a Monstrous, la película intenta ofrecer una cuidada puesta a punto, consiguiendo unos buenos resultados en general. La ambientación como la fotografía se unen perfectamente, obteniendo unos resultados más que óptimos para situar la acción del film en los años cincuenta. Su director saca provecho de los actores y la puesta a punto, por desgracia la película cuenta con un guion ya muy manido y poco resultón. La historia es muy tradicional, y a uno no le deja de venir otros films mejores con la misma temática, sin ir más lejos Babadook (2014). No escapa que parece estemos viendo un telefilm para el mediodía, siendo esto tal vez la peor sensación que nos puede transmitir. Al final nos queda una cinta que lo bueno que tiene es que no aburre, creciendo la historia de forma pausada pero sin caer en el tedio. Una película que se deja ver, no la recordaremos mucho una vez pasen los días, pero no todo pueden ser obras brillantes, y siempre es un placer ver en pantalla a la todoterreno de Christina Ricci.

(crítica que escribí para la web Cinemagavia )

Terror: 5

Ciencia ficción: 0

Efectos especiales/digitales: 7

Animación: 0

Violencia: 2

Sexo: 0

Humor: 0

Drama: 6

Reparto: 6

Puntuación general: 5.5/10